Tertulia flamenca: Asociación Punto Flamenco

-Somos un grupo de amigos que tocábamos en reuniones por aquí y por allá y empezamos a ensayar más continuadamente. Y decidimos formar una asociación.
-Viene la historia de que un cantaor vino a mi casa, sacamos las guitarras, se puso a cantar, tenía mucha voz, y pom pom, el vecino. Y empezamos a ver si podíamos tener un local y haciéndonos asociación cultural nos dejaban un espacio en un centro cívico.
-Y que cante y toque todo el mundo que quiera.

Óscar Vecino, Toño Aparicio y Marcos Benito, por este orden, cuentan la creación de Punto Flamenco, que bajo la forma legal de asociación cultural es un punto de encuentro para aficionad@s e interesad@s en el flamenco. Cumplen dos años este 2015 y cuenta con 21 soci@s más amig@s que se suman a la iniciativa, que tiene como lugar estable el Centro Cívico del barrio Las Delicias, los lunes por la tarde y los miércoles por la mañana.

Ellos fueron protagonistas de la última cita de la Tertulia Flamenca antes de Semana Santa, con un lleno hasta la bandera en el salón de actos de la Biblioteca Pública de Valladolid. Con los tres fundadores, los tres guitarristas –Marcos también se hace algún cante- hablamos antes de entrar a que desplegaran, junto a otros socios, aficionados y amigos -participaron los amigos del Secretariado Gitano, también- lo que saben hacer en toque, cante y baile.

Óscar y Toño

Óscar y Toño

-A nuestros amigos les decíamos que se pasaran. Y estando allí pues se fue sumando gente, como unas mujeres que bailaban sevillanas ‘¿podemos venir? Probaron, les gustó y se hicieron socios. Sobre todo está funcionando mucho el boca a boca (Óscar).
-El mayor tendrá 83 años y el más joven diez, once. Son de todas partes de Valladolid. Es abierta. Respetándonos todos y al lugar donde estamos (Marcos).
-No está pensado para enseñar, sino para practicar, ayudarnos unos a otros y mejorar (Toño).
-El espíritu es compartir nuestro trabajo, nuestros conocimientos y crecer todos juntos. Y luego está Miguel, que es el que más conocimiento tiene, el que nos lleva a todos de la mano (O).
-El maestro, es un lujo (M).
-El que nos dice esto está bien. Y el que nos dice: esto no lo hacéis mal. Tiene un mérito impresionante con lo que sabe estar allí ayudándonos (T).

Hablan de Miguel Uña, veterano tocaor de esta ciudad y de otros alrededores y provincias cercanas (Zamora sin ir más lejos), presente en la charla, pero discreto; aunque hace sus apuntes: “La guitarra siempre es la muleta del torero, del cantaor. El torero va de oro, nosotros siempre seremos los toreros de plata, decía Moraíto, el mejor guitarrista de acompañamiento”. Antes y después de la charla con Óscar, Toño y Marcos sí que habla Miguel de algunas de sus experiencias como acompañante de cantaores, ay de aquellos que tienen no compás –“lo que intentas es maquillar su falta, haciendo muchos silencios”-, de lo cerrao que puede llegar a ser uno, pero se aprende: «Yo creía que Paco de Lucía estaba equivocado, fíjate qué disparate, que blasfemia, por culpa de mi ignorancia, por seguir un método que no era el correcto; yo pensaba que los demás estaban equivocados hasta que un día se me iluminó una bombilla y, joder, si es que esto es hasta más sencillo”.

Miguel Uña

Miguel Uña

Óscar: “Yo llegué tarde al flamenco, con casi 30 años. Y llegué porque unas navidades un novio de mi hermana apareció con una guitarra. De siempre me gustaba el rumbeteo y quería aprender la guitarra para hacer un poquito de rumba. Coincidió que un cuñado mío trabajaba con Miguel (Uña) y este se ofreció a enseñarme, y me fui enganchando y no he parado.”.

Toño: “A mí siempre me ha gustado. En los programas aquellos de la tele en blanco y negro yo veía flamenco, pero llegaba mi padre y decía ‘ya están chillando’ y lo cambiaba. Mi padre era más de Machín. Y me ha gustado de siempre Jimi Hendrix, Led Zeppelin, Deep Purple, todo el mundo. Paco de Lucía, desde pequeñín. Con casi 30 años fui a ver un concierto de Camarón, de los últimos que dio aquí en Valladolid, con Tomatito y me gustó mogollón. Y vi un cartel de se dan clases de flamenco, de guitarra. Lo mismo que he ido a conciertos de flamenco, de Manzanita o Lole y Manuel he ido a los de los Ramones. Soy del mismo estilo que Raimundo Amador que nos gusta igual el rock que el flamenco.”.

Marcos: “A mí de niño me gustaba la música clásica, en realidad. Estaba como loco con la clásica. Luego, ya de la tierra de Salamanca, que de allí es toda mi familia, empezó la cosa de la rumba y por ahí me entró el flamenco. Más de mayor hociqueando en la Biblioteca Pública me hice con el disco de Camarón en París, le escuché cantar unas tarantas y me emocionó, vamos que me eché a llorar. Y desde entonces fui escuchando flamenco cada vez más hasta el día de hoy.”

Marcos

Marcos

-Yo creo que ahora con la crisis puede nacer algo con fuerza como cuando nació el flamenco de una desigualdad social, de un canto de lucha. Que la gente anda muy apretada (Marcos).

-En Valladolid hay afición, pero estamos muy limitados por el tema de los bares, que ya no se puede tocar con la libertad de antes.  Aquí cuando se hace algo de flamenco la gente va y le gusta. El flamenco es de vivirlo in situ más que de discos. Y eso es lo que engancha. Lamentablemente  hay muy pocos espacios para poder decirlo (Óscar).

-Al alcalde no le gusta la cultura. Nosotros nos hemos atrevido a dar un paso para que haya espacios, que el flamenco no esté como a escondidas o se quede entre amigos (Toño).

-Posiblemente seamos el grupo más abierto dentro de la afición flamenca de la ciudad (Marcos).

-Nuestro objetivo es afianzar la asociación y con el tiempo, poco a poco, se irá viendo (Toño).

-El flamenco es una filosofía de vida (Miguel).

Fuente: Blog Tiempo Flamenco
(Luis Presa también informa de la cita en la Tertulia con Punto Flamenco en su blog)

Tertulia flamenca: El baile de los Farruco

«Es arrebatador lo que hace… esa manera de recogerse, de cerrar los puños… en los silencios no adopta posturas esteticistas, se va cargando de la música, de flamenco hasta que explosiona…”. El baile de Antonio Montoya Flores ‘Farruco’, padre, abuelo de una saga bien conocida, que la pasada semana perdía a Pilar Montoya ‘La Faraona’, su hija. Días antes en Utrera se rindió un homenaje al patriarca con la presencia y actuación de toda la familia.

Y unos pocos días antes la Tertulia Flamenca, de la Biblioteca Pública de Valladolid, dedicaba su cita mensual a uno de los grandes bailaores flamencos y sus continuadores, su familia.

Farruco nació en 1935 en Pozuelo de Alarcón (Madrid) y falleció en 1997 en Sevilla, de donde era la familia de su madre, que nació en Ceuta. Su padre nació en nuestra ciudad, en Valladolid, y él y su hermano fueron adoptados por un aristócrata liberal que les proporcionó estudios. Así el padre de Farruco acabaría siendo ingeniero de canales y puertos y entraría en la Academia Militar de Comandante.

Con el estallido de la guerra civil manda, como comandante, un batallón de gitanos y gachés de la 38 Brigada Mixta que defiende Madrid; su mujer cava trincheras. Al terminar la guerra el padre es fusilado y la madre encarcelada en Larache. Tras ser liberada se traslada a Sevilla y comienza la historia de su hijo, un gitano analfabeto, que se convertiría en figura del baile.

La transmisión

La transmisión (Enrique Miralles)

“Un baile alejado del academicismo del siglo XX”, que conoce por haber formado parte de las compañías de Pilar López o José Greco, pero lo que a él le interesa está en el baile de sus ancestros, el que se baila en los patios, en las zambras, en el que se ‘siente’ lo natural, el baile gitano, que se dice.
Vimos vídeos de algunos de sus bailes, por soleá, por seguiriya, con ese físico por el que la mayoría le conocemos, “la antítesis del bailaor de fina cintura”; cantándole Juan Fernández el Moreno, su yerno, o Chocolate, su cuñado. Con sus hijas, Pilar y Rosario la Farruca, y con su nieto Farruquito, quien tomará el testigo de su abuelo, ante el fallecimiento de Juan Antonio, el hijo de Farruco y también llamado Farruquito, por el que el patriarca dejó el trío que formara, en los 60, con Matilde Coral y Rafael el Negro, Los Bolecos (bastones de los tratantes), para centrarse en transmitirle la Forma de su baile. Apuntaba el padre de Farruquito para figura, pero un trágico accidente de tráfico truncaría la prometedora carrera.

“Un hombre chapado a la antigua, representante del baile macho, ya no se ve bailar de costado como hacía él… enemigo de acudir a las academias de baile a aprender porque en ellas no se preocupan de lo esencial: transmitir de manera espontánea y personal”.

Viendo bailar a Farruquito, Farruco, El Carpeta, sus principales depositarios –hay otros, El Barullo, Juan de Juan– surge una cierta controversia entre l@s asistentes a la Tertulia sobre el baile de éstos -“movimientos más rápidos, meten mucho tacón”- y el de su abuelo.

“Se ve su escuela, pero hay una mayor barroquización, les sobran 400 saltos, es un baile más atractivo para el gran público, pero los silencios, las paradas del abuelo… que vayan siendo más mayores y pierdan facultades físicas, que se queden con la médula del yayo”. No reniegan l@s crític@s del baile de los nietos de Farruco, les gusta; a tod@s nos llega. Salimos de la tertulia con la sangre caliente, alboratada, no por la controversia, sino por el baile. Para much@s será una larga y festiva noche-madrugada.

Fuente: Blog Tiempo Flamenco

Club de cine Espigadores: El buen salvaje

Hoy degustaremos nuestra ración habitual de cine mudo (o cine silente, como lo llaman los puristas). Creo que en el mudo se desarrollaron soluciones visuales muy interesantes (a falta de diálogo, había que agudizar el ingenio) y se pusieron las bases, en muchas ocasiones, de los géneros cinematográficos que se desarrollarían con la llegada del sonido.

el buen salvaje 1

 Tabú (Tabu: A Story of the South Seas, 1931), es la “última película de Murnau, que empezó como una colaboración para escribir y dirigir conjuntamente con el famoso documentalista Robert J. Flaherty, aunque por diversos problemas sólo la firmó Murnau. Rodada en Tahití y Bora-Bora retrata en forma casi de documental, al igual que «Nanook of the North» hacía con los esquimales, las costumbres y modo de vida de la gente del pacífico sur.”

http://www.filmaffinity.com/es/film471016.html

el buen salvaje 2

Murnau es uno de los grandes cineastas del período de entreguerras y uno de esos “extraños en el paraíso” que cruzaron el charco por diversas circunstancias desde la vieja Europa, llevando consigo una estética expresionista que tanto habría de influir en el cine posterior.

“François Truffaut admitió en una ocasión que los cineastas debían resignarse ante la idea de que, en un futuro, fueran juzgados por críticos que desconocerían las películas de Murnau. Este comentario impregnado de desengaño todavía no ha encontrado una confirmación absoluta, pero no por ello es menos significativo; el pasado es borrado por una sociedad que vive en el instante, y el estatus casi mítico de tuvo Murnau para toda una generación de cinéfilos durante los años 50 y 60 se ha desvanecido. (…)

Murnau falleció con 42 años, legándonos veintiún filmes de los que nueve, sin duda despreciables para la mayoría, han desaparecido. Su trayectoria fulgurante, -una década-, fue brutalmente interrumpida por un accidente de coche sobre una carretera de California. (…)

Acababa de firmar un contrato de cuatro películas con la Paramount, la compañía más propicia para las búsquedas estéticas (como la Fox, al final de la época muda, que produjo Amanecer, Los cuatro diablos y City Girl), donde Lubitsch, Sternberg, Mamoulian experimentaban nuevas formas. ¿Cómo habría sido la carrera americana de Murnau. Un secreto más que se llevó a la tumba.”

Murnau y sus secretos:

Autor: Michel Ciment

Publicación: Revista Positif. Num.523. Sept.2004

Traducción: Esmeralda Barriendos

http://www.zinema.com/textos/murnauys.htm

el buen salvaje 3

Nosferatu (1922)

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Amanecer (1927)

Sus películas más famosas son: El castillo encantado (1921), Nosferatu (1922), El último (1924), Fausto (1926), Amanecer (1927), El pan nuestro de cada día (1930) y Tabú (1931).

Para saber más:

http://es.wikipedia.org/wiki/Friedrich_Wilhelm_Murnau

http://www.claqueta.es/directores/friedrich-wilhelm-murnau.html

http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article2492.html

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Tabú:

“Aun sin ahondar en la multiplicidad de lecturas e interpretaciones que posee la obra póstuma de Murnau, Tabú aparece ante el espectador como la fusión más coherente y admirable entre naturalismo y romanticismo que el Arte haya producido. Una aparente superficie documental y un lejano seguimiento de las ideas rousseaunianas es, básicamente, todo cuanto el film debe a la figura de Flaherty. El resto se encamina hacia la disertación entre el mito y lo humano, la realidad y lo onírico, el amor y el fatum, temas más que recurrentes a lo largo de la filmografía de Murnau y que, aquí, llegan a su máxima expresión de madurez. En efecto, la idea del mito queda ya expresada desde el mismo título.”

F.W. Murnau: «Tabú», escrito por Joaquín Vallet:

http://www.artecreha.com/Miradas_de_cine/fw-murnau-qtabuq.html

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“Volver a F.W. Murnau es siempre necesario. Y volver a Tabu: a story of the south Seas (1931) diría que es casi imprescindible. Aunque pudiera sonar a tópico, hay un misterio sin posibilidad de resolverse en las imágenes filmadas por el cineasta alemán en la isla Bora-Bora. Al ver de nuevo la película —la última vez que lo hice fue hace ya cinco años— no he podido evitar pensar en los misterios contemporáneos de otra isla, en este caso televisiva, que siguen fascinándonos del mismo modo que el pacífico sur supo seducir al genial  Murnau. Las islas continúan siendo islas, lugares remotos donde siguen ocultándose fuerzas sobrenaturales que desafían al hombre. Sin me perdonan el atrevimiento, hay una afinidad harmónica y muy salvaje al mismo tiempo, entre la isla de Tabú filmada por Murnau y la convulsa y mediática isla de Lost (2004-2010. ABC) creada por J.J. Abrams. Una conexión tan misteriosa como los relatos que a través de ellas se explican, y tan irresistible como demuestra la fuerza de su campo magnético, su conexión con el imaginario del espectador, su universalidad, en definitiva.”

Tabú, la maldición de la isla, por Anna Petrus

http://miradas.net/2009/09/estudios/tabu.html

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Las puntuaciones en Filmaffinity, nuestra página de referencia, son elevadísimas; os dejo con una de las críticas de los usuarios:

“Tras Nanuk, los posteriores documentales de Flaherty no tuvieron éxito o bien fueron abandonados por discrepancias con las productoras hollywoodienses, que le exigían incluir historias de amor novelescas con las que no podía estar de acuerdo un director-etnólogo como él. Ya alejado de Hollywood, Murnau, quien se había creado su propia productora para no tener que soportar el control de las grandes compañías, le ofreció a Flaherty la realización compartida de Tabú. No tardarían en surgir las discrepancias, pues Murnau, cineasta alemán de origen expresionista (por si alguien no lo sabía aún), estaba más interesado en plasmar sus inquietudes artísticas en un ensayo antropológico con historia romántica. Flaherty abandonó la empresa y el alemán nos brindó, poco antes de morir en un accidente, esta película de ficción preciosa visual y argumentalmente, con un gran ritmo y con uno de los finales más bonitos de la historia.”

http://www.filmaffinity.com/es/user/rating/273407/471016.html

 

“Uno de los finales más bonitos de la historia”… ¿Será verdad?

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Tabú (Tabu: A Story of the South Seas, F. W. Murnau, 1931), 90 min

Salón de Actos de la Biblioteca Pública de Valladolid, jueves, 16 de abril, 19:00 h

Club de cine Espigadores: Nouvelle Vague en Nueva York

Y seguimos con el cine independiente americano. Esta vez con una película reciente, muy diferente de la que vimos en la sesión pasada, lo que nos servirá para comparar estilos separados por cuarenta años. Nuestra propuesta es Frances Ha  (Noah Baumbach, 2012).

En años anteriores hemos visto películas parecidas, como Coffee and cigarettes (Jim Jarmusch, 2003), programada recientemente en el ciclo titulado de forma significativa “Francotiradores e independientes”, en Los jueves de letras de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Valladolid, o Buscando un beso a medianoche (Alex Holdridge, 2007).

nouvelle vague foto 1

Las críticas a Frances Ha son muy positivas, comenzando por la actriz protagonista, Greta Gerwig, coautora además del guión,  que fue nominada a los globos de oro.

 http://www.filmaffinity.com/es/film960116.html

Para muestra un botón:

 La vida es una mudanza

Javier Ocaña: Diario El País

http://cultura.elpais.com/cultura/2014/04/03/actualidad/1396541271_474238.html

“La influencia de Woody Allen en el cine contemporáneo no tiene fin. Y, sin embargo, a pesar del reflejo, a pesar de la evidencia, de vez en cuando sale un aparente simulador que, paradójicamente, revela una maravillosa autenticidad. Por ejemplo, Noah Baumbach.

En Frances Ha, el autor de las magníficas Una historia de Brooklyn (2005) y Margot y la boda (2007), excéntricas, luminosas y, al mismo tiempo, desesperanzadoras películas alrededor de la familia, y coguionista de Life aquatic y de Fantástico Mr. Fox, ambas dirigidas por Wes Anderson, se centra esta vez en una veinteañera neoyorquina que bien podría ser la sosias del joven Woody de Annie Hall, Manhattan y Recuerdos: una chica maravillosamente descentrada, amorosamente torpe, fundamentalmente excéntrica, ni guapa ni fea sino todo lo contrario, de la que te acabas enamorando sin remedio”.

«Se constituye como un soplo de autenticidad salido de un terreno tan reconocible como el del Woody [Allen] de finales de los años setenta (…) Una película de apariencia sencilla y espectacular armazón emocional.» 

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Pero también hay palos, recordando nuestra acostumbrada “Una de cal y otra de arena”:

 Una Nueva York para el olvido

Carlos Boyero: Diario El País  (No podía ser otro.)

http://cultura.elpais.com/cultura/2014/04/24/actualidad/1398367213_223208.html

 “La penúltima visita que he sufrido en el cine a esa ciudad mitológica ha sido la insoportable Frances Ha, una tontería con pretensiones y adornada con la etiqueta indie (cuántas estupideces se perpetran en nombre de esa cosa tan prestigiosa como mayoritariamente vacua e impotente llamada cine independiente), que describe en estratégico blanco y negro, con personajes, situaciones, diálogos y actores lamentables, la llevadera supervivencia y las muy inanes relaciones de una chica presuntamente vitalista y con vocación danzarina.”

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  Alguna crítica más la relaciona con otro de nuestros referentes favoritos, la nouvelle vague:

 ‘Frances Ha’, la eterna adolescente de Noah Baumbach

Lucía Ros

http://www.blogdecine.com/criticas/frances-ha-la-eterna-adolescente-de-noah-baumbach

“Hay algo único en ‘Frances Ha’ y en la forma en la que Buambach nos cuenta su historia, algo que la hace terriblemente actual y moderna en la forma en la que nos atrapa ese recorrido vital de la protagonista con una forma de narrar muy rítmica y especial, pero también hay que remarcar el admirable uso de referentes de Baumbach al contar esta historia de una joven norteamericana entre los que podemos encontrar desde el Woody Allen más clásico y neoyorquino, pasando por el estilo noventero de Kevin Smith hasta el rollo hipster de la serie de televisión ‘Girls’ –de la citada anteriormente Lena Dunham– hasta la inevitable belleza de la Nouvelle Vague o al mismísimo Leos Carax y la canción ‘Modern Love’ de David Bowie, que utilizó en ‘Mala Sangre’ (‘Mauvais sang’, 1986).

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Los aires noventeros se respiran en cada fotograma de la cinta y su espíritu nos recuerda un poco a ‘Clerks’ (id, 1994) de Kevin Smith, y sí, la forma de vestir de la protagonista tiene muchísimo que ver. Aún así, también vemos mucho del cine de Woody Allen y la forma en la que la ciudad de Nueva York está reflejada y su protagonista se relaciona con ella, y sin duda, la Nouvelle Vague –con ese maravilloso blanco y negro– y la forma de rodar casi con despreocupación, descuido y ese toque de frescura, naturalidad y espontaneidad tan característico del movimiento francés.”

 Sobre el director:

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Entrevista en El cultural:

http://elcultural.es/revista/cine/Noah-Baumbach/34397

 ¿Quién tendrá razón, Ocaña o Boyero? La solución, al final de la proyección.

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Frances Ha  (Noah Baumbach, 2012) 86 min

Salón de Actos de la Biblioteca Pública de Valladolid, jueves, 19 de marzo, 19:00 h

Club de cine Espigadores: Welcome to the underground

Underground (subterráneo en español): término de origen inglés con el que se designa a los movimientos contraculturales que se consideran alternativos, paralelos, contrarios, o ajenos a la cultura oficial.

La cultura oficial sale a tu encuentro, pero al underground tienes que ir tú» (Frank Zappa)

http://es.wikipedia.org/wiki/Cultura_underground

Paul Morrissey y Andy WarholEn la sesión de hoy veremos la primera entrega de una trilogía mítica del cine underground americano y, por extensión, de la historia del cine en general (equiparable a trilogías más conocidas como El padrino, por ejemplo). Se trata de Flesh (Carne, 1968), a la que seguirían Trash (Basura, 1970) y Heat (Caliente, 1972), todas dirigidas por Paul Morrissey, producidas por Andy Warhol y protagonizadas por Joe Dallesandro, que se convertirá en el icono gay por excelencia.

http://www.filmaffinity.com/es/film169376.html

http://lavidanoimitaalarte.blogspot.com.es/2007/09/flesh-trash-heat-carne-1968-basura-1970.html

http://es.wikipedia.org/wiki/Paul_Morrissey

cartel película FleshAmerican -underground- gigoló

(Crítica del usuario “Maldito bastardo” en Filmaffinity)

http://www.filmaffinity.com/es/reviews/1/169376.html

“Enfrentarse a la trilogía de Paul Morrissey compuesta por “Flesh” (1968), “Trash” (1970) y “Heat” (1972) puede suponer todo un reto para un espectador con un lastre de mucho peso llamado Andy Warhol, uno de los padres de los que algunos han acuñado con el término modernez.

Morrissey no resulta tan experimental, transgresor y odiable como los filmes de Warhol. Todo lo contrario, su cine realizado con cuatro perras (en ambos sentidos), un icono para la cultura gay (Joe Dallesandro), un retrato de la cultura underground y dosis desmesuradas de espontaneidad y amateurismo son fundamentales para entender gran parte del cine independiente posterior (sobre todo underground) y sirven de enlace con el movimiento Dogma.”

https://www.youtube.com/watch?v=RLrHdYrQ_Kc

“Supongo que “Flesh” sería muy alternativa y molesta en su momento limitada a ciertos circuitos. El filme comienza con un plano secuencia fijo de Joe Dallesandro durmiendo que dura cerca de dos minutos, que no son nada comparables a uno de los atentados “artísticos” de Warhol. Una vez despierto se presentan las intenciones de Paul Morrissey: desnudo masculino frontal, media erección, toqueteos eróticos y una conversación donde Joe habla de conseguir dinero prostituyéndose para dárselo a la amante de su mujer y que pueda practicarse un aborto. La familia trash americana también tiene un pequeño vástago.”

Actor desnudo Joe Dallesandro“Con un montaje abrupto y una estética realista en plan documental underground, Morrisey dirige su mirada a seguir los encuentros con diferentes clientes de Joe para mostrar a esos personajes del “wild side” del que hablaba Lou Reed.

No hay imposturas, “Flesh” es un retrato del otro lado de la vanguardia y todo parece indicar que Paul Morrissey se burla más de esos yonquis, travestis, chaperos y su culto al cuerpo que pretender ser parte de su cultura. Él está al otro lado de la cámara registrando sus movimientos y acciones, su decadencia en forma de arte underground.

Aunque ahora mismo este cine no sorprenda ni escandalice, salvo ver el culo y pito de Dallesandro para los más beatos, prefiero los filmes de Paul Morrissey a otras pretendidas y supuestas innovaciones cinematográficas que muchos entienden como evolución del cine de arte y ensayo.
En “Flesh” están reflejadas las metas del cine underground e independiente más trash y amateur, con todas sus virtudes e innumerables defectos.”

http://www.filmaffinity.com/es/reviews/1/169376.html

carteles de cine Flesh

Para saber más:

http://es.wikipedia.org/wiki/Cine_underground

http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/cineindependiente.htm

Jonas Mekas y el underground neoyorkino. Una actitud nueva
David Gutiérrez Camps

http://www.enfocarte.com/6.27/cine.html

 Links de cine underground:

http://visionesmetaforicas.blogspot.com.es/2010/04/links-de-cine-underground.html

10 películas clave del underground español:

http://extranosenelparaiso.blogspot.com.es/2012/04/10-peliculas-claves-del-underground.html

andy Warhol´s fleshFlesh (Carne, Paul Morrissey, 1968)

Salón de actos de la Biblioteca Pública de Valladolid, 5 de marzo de 2015, 19:00 h

Tertulia flamenca: Don Antonio Mairena (II)

Antonio, Antonio Mairena, Mairena, Don Antonio Mairena. De todas estas formas se nombró al cantaor en la nueva la cita de la Tertulia Flamenca, de la Biblioteca Pública de Valladolid, a él dedicada por completo, a quien «el flamenco le debe mucho», a una de sus figuras más representativas hasta y a partir de la segunda mitad del siglo XX.
Se reconoció su labor divulgativa, su trabajo de investigación, el Mairena que «limpia, repara y da esplendor» a toda la riqueza del patrimonio flamenco, un flamenco que empieza a ser tenido en cuenta en ámbitos culturales y «cobra la relevancia que tiene ahora»: «Mairena alucinaría si supiera que se está hablando de flamenco en una biblioteca» (En los años 60, y con él al frente, el flamenco recupera una relevancia que tenía antes de la guerra civil española, la que fue señalada, admirada, difundida, apoyada por los Falla, Lorca y otros artistas de la época; época en la que Mairena daba sus primeros pasos rodeado de gigantes: Manuel Torre, Vallejo, Ñiña de Los Peines, Tomás Pavón, Chacón…).
Se hizo un condensado repaso por su historia personal y profesional. Vimos un fragmento de María de la O, y escuchamos su voz cantando la popular copla que da título a la película; luego otras grabaciones, donde «canta muy flamenco, perfecto y muy estirado… canta de maravilla la soleá de Charamusco… cierra los cantes a la perfección…», pero a muchos deja frío su cante, prefieren el de otros que les «pellizcan»: «Él reconocía esa frialdad en sus discos porque tiene interés en que su trabajo de investigación perdure, busca una grabación perfecta en detrimento de la frescura del directo» (¿el sacrificio de una personalidad singular, también? ¿se puede hablar de creatividad, en el sentido artístico, con esa intención didáctica?).
Y hablamos del ‘mairenismo’, ese concepto que deriva en corriente surgida en la etapa de gloria y glorificación del cantaor, años 60 -y el flamenco se vuelve ‘clásico’, ortodoxo-; corriente de fieles, admiradores. Unos rayando-cayendo en un fanatismo, a veces inquisitorial; otros, los mejores, por descubrir que se podía amar aún más al flamenco.
«Persona inteligente porque transmite y enseña a los demás… místico…, serio y riguroso», se dijo en esta tertulia dedicada a Don Antonio Mairena, y más que se podría decir (no se llegó a la »Razón Incórporea»). Pero sobre todo escuchar sus cantes, pues grande es su legado discográfico, donde está prácticamente todo el cante flamenco para ser aprendido, escuchado y recreado.
Y cante hubo en la despedida de la Tertulia cortesía de nuestras compañeras del Secretariado Gitano, que se hicieron un sentido cante por bulerías. Volveremos a reunirnos para febrero, con los Farruco.
Libro mairenaDado que estamos en una biblioteca ahí va una relación de títulos relacionados con Don Antonio:

Las confesiones de Antonio Mairena, de Antonio Mairena y Alberto García (Universidad de Sevilla, 1976).

Los cantes de Antonio Mairena, de Luis y Ramón Soler (Edciones Tartessos, 2004).

Duende y poesía en el cante de Antonio Mairena, de José Cenizo (Ediciones Giralda, 2000)

Mundo y formas del cante flamenco, de Antonio Mairena y Ricardo Molina (1963; reeditado en 2004 por Ediciones Giralda).

Antonio Mairena. Su obra. Su significado, de Fernando Quiñones (Editorial Cinterco, 1989).

Antonio Mairena. La pequeña historia, de Francisco Vallecillo (Fundación Andaluza de Flamenco, 1988).

Mis recuerdos de Antonio Mairena, de Juan Antonio Muñoz (El Flamenco Vive, 2007).

Tertulia flamenca: Antonio Mairena

La Real Academia de la Lengua no retirará la definición de «gitano» en la nueva edición del Diccionario porque sería un acto de censura. Respuesta a la petición de la Confederación Española de la Asamblea Nacional del Pueblo Gitano para que modificara una de las acepciones de «gitano». No, dicen los académicos.
Raíces MairenaCon este tema se abrió el pasado viernes la Tertulia Flamenca, de la Biblioteca de Valladolid. Estaba dedicada a Antonio Mairena, «un gran defensor del cante flamenco y de la cultura del pueblo al que pertenecía; defendió la igualdad de derechos, el mantener la identidad de su pueblo, la que durante siglos ha sabido mantener por encima de persecuciones y represiones, desde los queridísimos Reyes Católicos pasando por Carlos III, IV y hasta prácticamente la actualidad».
Palabras estas que pusieron colofón a una reivindicativa introducción expresada por nuestro factótum, Quique y que comenzó con estas palabras, que compartimos:
«En ediciones antiguas del diccionario (DRAE) figuraban acepciones del término gitano como (A) que tiene gracia y arte para ganarse la voluntad de los otros, (B) el que estafa u obra con engaño. En la última edición se cambia esta definición y se sustituye por: ‘Gitano: Trapacero’. Si vamos a ‘Trapacero’, leemos: ‘Alguien que con astucias, falsedades y mentiras procura engañar a alguien en un asunto’.
Esta es la Real Academia de la Lengua Española racista y elitista, que dice que eliminar estas acepciones de la palabra gitano es censura. Por eliminar este tipo de términos Antonio Mairena y otros muchos gitanos y no gitanos han venido luchando.
Mairena GitanoPor la misma regla de tres se podría incluir en el diccionario esta definición de académico: (A) Personaje que mediante la súplica y la adulación consigue perpetuarse como canónico del lenguaje, (B) dícese también de muchos sujetos que ejercen o han ejercido la censura, citándose el caso reciente de Gregorio Morán y su libro El cura y los mandarines (Editorial Akal, 2014) y sus problemas para editarse al referirse a algunos de estos académicos personajes.
O político se podría definir como: animal con alas que no se refleja en los espejos y que se alimenta de la sangre de los trabajadores».
Tras esta introducción pasamos a la figura, el cante, las formas de Antonio Mairena, que generó debate, sin censuras; de lo que nos ocuparemos en la próxima entrada del blog.

Club de cine Espigadores: distopías

Distopía o antiutopía: sociedad ficticia indeseable en sí misma.

En nuestra próxima sesión veremos una película de uno de los directores alemanes más representativos de los últimos años, Volker Schlöndorff, cuyo último trabajo, Diplomacia (2014), inauguró la pasada edición de la Seminci. En sus casi cincuenta años en activo ha tenido éxitos notables, como El joven Törless (1966), El honor perdido de Katharina Blum (1975), El tambor de hojalata (1979), Círculo de engaños (1981), Muerte de un viajante (1985) o El noveno día (2004).

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http://es.wikipedia.org/wiki/Volker_Schl%C3%B6ndorff

Se trata de El cuento de la doncella (Die Geschichte der Dienerin, 1990), una mezcla de drama, romance y ciencia ficción seleccionada en el Festival de Berlín de 1990.

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Será una sesión especial, a la que estará invitado el Grupo de Filosofía de nuestra compañera Belén Gómez, que nos ha propuesto la película.  El segundo tiempo estará centrado, en esta ocasión, en cuestiones filosóficas surgidas tras el visionado. Para ello nos han enviado algunas reflexiones:

“EL ARTE CINEMATOGRÁFICO GENERA PENSAMIENTO”

Después de una sesión de cine todos somos filósofos, comentamos la película a través de nuestros conocimientos, emociones, nuestras creencias. Podemos jugar a ser críticos literarios, críticos técnicos, críticos políticos, críticos éticos, etc. Pero es inevitable, por desenfadada que sea una obra llevada a la gran pantalla, se “crea pensamiento”, y esto sucede en todas las artes.

El cuento de la criada es una de las obras más importantes de la escritora canadiense Margaret Atwood. En ella están presentes dos de los temas frecuentes en sus obras, la crítica social y el tratamiento de la mujer.

La obra, en sí, se puede clasificar como una «distopía». Una distopía o antiutopía es una sociedad ficticia que termina resultando indeseable en sí misma. Normalmente nos muestra un futuro muy distinto del que uno puede esperar.

http://es.wikipedia.org/wiki/El_cuento_de_la_criada

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En cuanto a la etimología, el término se acuñó a partir de los términos del griego antiguo:

  • δυσ- (dis) «malo» y τόπος (tópos) «mal lugar”. De acuerdo con el Oxford English Dictionary, el término fue acuñado a finales del siglo XIX por John Stuart Mill, quien también empleaba el sinónimo creado por Bentham cacotopía, del adjetivo κακό (kakó) «mal» y τόπος.
  • Ambos términos se basaron en el término utopía acuñado por Tomás Moro procedente de ευ- (ef) «buen» y τόπος,  significando ‘buen lugar’, un lugar imaginario, no existente, donde habita una sociedad idealizada.

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  1. En verdad una “distopía” muestra una sociedad poco ideal. Por lo general son miradas desalentadoras y apocalípticas al futuro:
  2. Pueden ser sociedades totalitarias de pensamiento único.
  3. Otras nos muestran ciudadanos aborregados y totalmente controlados por el poder político y económico.

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PUNTOS SOBRE LOS QUE PODEMOS HABLAR EN EL DEBATE

a) Cómo se muestra el “Estado Teocrático” en la película. La república de Gilead.

b) El “ARTE” ¿Lo podemos considerar como el único ámbito sin ambages donde se da una libertad de expresión y conocimiento?

c) ¿Somos conscientes de que existe una economía productiva y una economía reproductiva?

d) Pensemos las tríadas:       AMOR——SEXO——PODER

             AMOR—–SEXO——REPRODUCCIÓN

e) Los seres humanos creamos una especie de “sacralidad” con la cultura en la que creemos, así pues:

  • Una distopía, al pintar una sociedad peor que la propia, ¿puede generar una “conformidad”?
  • ¿Muestra un mal por el presente social, al manejar un futuro terrible que más que una proyección ilusoria sea un anticipo?
  • ¿Al visualizar situaciones posibles, genera en el pensamiento dudas o inquietudes?

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“El cine es una investigación sobre nuestras vidas. Sobre lo que somos. Sobre nuestras responsabilidades -si las hay-. Sobre lo que estamos buscando. ¿Por qué querría yo hacer una película sobre algo que ya conozco y entiendo?”

John Cassavetes

La sesión promete, ¿no?

ScreenHunter_07 Feb. 19 09.03El cuento de la doncella (Die Geschichte der Dienerin, 1990), 109 min.

Salón de actos de la Biblioteca Pública de Valladolid, jueves, 19 de febrero, 19 h

Club de cine Espigadores: ¿Terror a lo nouvelle vague?

“Lirismo tenebroso (…) enfermiza y subyugante atmósfera (…) inclasificable obra maestra». Así es como califica Carlos Boyero a Los ojos sin rostro en su crítica a La piel que habito, de Pedro Almodóvar:
“Queda muy bien que Almodóvar cite como modelo en la rueda de prensa de Cannes que la inspiración de La piel que habito es el lirismo tenebroso y la enfermiza y subyugante atmósfera que chorreaba aquella inclasificable obra maestra de Georges Franju titulada Los ojos sin rostro.”
http://elpais.com/diario/2011/09/02/cine/1314914404_850215.html
Carteles de películaEn nuestra página de cabecera, Filmaffinity, la valoración es muy alta (7,5) y abundan las críticas positivas. Es especialmente interesante aquella dedicada al ritmo:

“Ritmo, esa es la respuesta.

Algún espectador puede preguntarse a qué es debido ese ritmo lento de las primeras secuencias. Porque vemos a la protagonista enmascarada deambular tanto tiempo por las escaleras y las habitaciones de la casa. Porque el montador del filme decidió no cortar antes de tiempo cuando todos pensábamos que la secuencia no tenía nada más que contar…

Y la respuesta es el ritmo.

Sin esas secuencias previas la alargada e interminable secuencia de la operación carece de significado y esencia.

Georges Franju lo tenía muy claro: engañar al espectador seduciéndolo con un aparente thriller que en principio parecía que iba a sugerir, que no iba a mostrarnos el horror (la secuencia del deposito de cadáveres, la máscara, la ausencia de espejos, el uso del fuera de campo). Para después amplificar la violencia y dar el golpe de efecto al espectador.

Al igual que la víctima en un plano subjetivo el espectador presencia el horror. Aquello que nos habían ocultado y ahora nos van a mostrar detenidamente, paso por paso, momento por momento, pinza por pinza, bisturí por corte, thriller por horror con grima incluida.” (…)

http://www.filmaffinity.com/es/reviews/1/368901.html

Fotograma Los ojos sin rostroRostro piel“El ritmo es la clave para apreciar la esencia de la película. El problema que le veo es que para unos, yo incluido, ese ritmo le hace alcanzar la perfección y para otros transforma el filme en tedioso. Por lo que aviso que los que no soportan un ritmo lento de muchos planos al detalle, que es posible que no consigan entrar en la historia y aburrirse.”

LA INTENSA EXPRESIVIDAD DE UN ROSTRO VACÍO:

(…) “Esta recomendable (e imprescindible) película es la muestra perfecta de cómo crear suspense y terror sin necesidad de recurrir a efectos sonoros ensordecedores, chillidos continuos, casquería barata, carreras desesperadas y asesinos rocambolescos. Franju sabe infundir tensión y miedo con un estilo sutil y delicado, muy difícil de alcanzar en el mundo del cine y que desgraciadamente muy pocos han vuelto a repetir con resultados tan fabulosos.”

Rostro con vendasPara saber más:

Los ojos sin rostro, una inolvidable película de terror, por Pablo Hernández Blanco.

“(…) El guion corrió a cargo de Pierre Boileau y Thomas Narcejac —el dúo de escritores tras las novelas en que se inspiraron clásicos como Las diabólicas o Vértigo—, quienes lo basaron a su vez en el libro homónimo de Jean Redon. Bajo su manifiesta superficie de horror, hay un elemento de poesía que con frecuencia insufla un sorprendente toque de lirismo a sus escenas, dando lugar así a una macabra belleza sobre la que se sustenta la película. El equilibrio que logra entre lo lírico y lo siniestro es quizá su principal seña de identidad, y gran parte de su evocadora estética se debe a la fotografía de Eugen Schüfftan; con un tono tétrico deudor del expresionismo alemán (fue, de hecho, el encargado de los efectos especiales de Metrópolis y creador del llamado Schüfftan process), Schüfftan dota a la película de una consumada precisión visual consistente en una efectiva unión entre el film noir de la época y el Jean Cocteau de La bella y la bestia. La música de Maurice Jarre, quien unos años después compondría las memorables bandas sonoras de Lawrence de Arabia y Dr. Zhivago, es otro de sus muchos puntos fuertes.

Hay una escena en particular que siempre me llama la atención, aquella en la que vemos a Christiane con su perturbadora máscara, impenetrable e inexpresiva, puesta por primera vez, esa máscara tras la que se oculta su rostro destrozado. Es una escena tan emotiva como inquietante, ante todo porque el espectador lleva con ansiedad esperándola desde un primer momento; es aquí donde se ve el sentimiento de pérdida y sufrimiento que acompañan a Christiane que, como un pájaro enjaulado, se ve irremisiblemente confinada en la cámara de los horrores de su obsesivo padre. En un primer plano, la cámara se centra en su máscara, pero sus ojos son lo que de verdad observa, haciéndonos sentir a nosotros, los espectadores, una mezcla de rechazo y compasión, emociones enfrentadas que la película nos suscita de manera constante. Al igual que los ojos de su protagonista, Los ojos sin rostro es una película inolvidable: un lúgubre poema en blanco y negro.”

http://www.jotdown.es/2014/07/los-ojos-sin-rostro-una-inolvidable-pelicula-de-terror/

Fotogrma películaLas máscaras y los monstruos, por Juan Carlos Matilla.

“Los ojos sin rostro es sin duda su mejor película y una de las obras maestras más demoledoras y hermosas que ha dado el fantástico europeo. Hábil híbrido entre el cine de suspense a la manera de Hitchcock y el género de terror protagonizado por científicos desquilibrados, Los ojos sin rostro es un poema fílmico fúnebre, lírico, falsamente luminoso y estremecedor en todos sus detalles.”

http://www.judexfanzine.net/v3/fitxa.php?id=26

fotograma Los ojos sin rostroLa belleza perturbadora del cine manierista, por Manu Argüelles.

http://cinedivergente.com/criticas/singularidades/los-ojos-sin-rostro

Sobre Georges Franju:

http://es.wikipedia.org/wiki/Georges_Franju

Cartel eyes without a faceLos ojos sin rostro (Les yeux sans visage, Georges Franju, 1960) 88’

5 de febrero de 2015, 19:00 h – Salón de actos de la Biblioteca Pública de Valladolid

Club de cine Espigadores: El infinito Polanski

Hoy toca el turno a uno de los directores más controvertidos de los últimos cincuenta años (comenzó a hacer cine en los años 60), tanto por sus filmes como por su vida personal (que incluye una niñez en el gueto de Cracovia, el terrible asesinato de su esposa a manos del clan Manson y una acusación de violación a una menor, entre otras cosas): veremos La venus de las pieles, la última película de Roman Polanski.

Roman PolanskiPolanski empezó a hacer cine en su Polonia natal, comenzando por cortometrajes (que han sido incluso editados en DVD en España, algo que solo ocurre con los más grandes) hasta realizar películas muy personales. En un momento determinado, fue adoptado por el cine francés, conectando de forma muy estrecha con la nouvelle vague, para posteriormente dirigir coproducciones europeas y norteamericanas. Como vemos, una carrera hasta cierto punto paralela con el cineasta protagonista de nuestra sesión anterior, el japonés Nagisa Oshima.

carteles carteles dosSus películas se han distribuido de forma regular en España, donde han tenido bastante éxito, y han sido pasadas repetidas veces por televisión. Podemos citar unos ejemplos:

Esta frase del crítico Keith Uhlich (Time Out) resume a las mil maravillas el estilo de esta película y nuestro director:

«Como siempre con Polanski, las excentricidades de la narrativa están bañadas de un experto barniz de clasicismo.«

http://www.filmaffinity.com/es/film802649.html

Para saber más:

  • Sobre Roman Polanski:

-Wikipedia: http://es.wikipedia.org/wiki/Roman_Polanski

-Entrevista: http://cultura.elpais.com/cultura/2013/12/07/actualidad/1386436968_879436.html

directorSobre la novela original de Leopold von Sacher-Masoch: http://es.wikipedia.org/wiki/La_Venus_de_las_pieles

(Con muchas referencias a adaptaciones al cine, al cómic, música…)

La venus de las pielesSobre La venus de las pieles de Polanski:

“Desde el minuto uno, desde el primer y muy vehemente travelling, desde la primera nota musical, Roman Polanski y su compositor, Alexandre Desplat, remiten al tono de gran guiñol de La huella, a su modelo de representación, a su combate, al teatro de la vida. Y, sin embargo, La venus de las pieles, adaptación cinematográfica de la obra teatral de David Ives, compuesta por el propio dramaturgo, no puede ser más puramente Polanski: en su tono y en su carácter obsesivo; en sus diferentes planos de ataque y en su vertiente opresiva; en su fascinante intelectualidad (…)”

Javier Ocaña: “El infinito Polanski”

http://cultura.elpais.com/cultura/2014/01/30/actualidad/1391104485_938514.html

escena

http://cultura.elpais.com/cultura/2013/05/25/actualidad/1369507915_987792.html

(Crítica de Carlos Boyero tras su estreno en el Festival de Cannes)

 rojo

Sobre la adaptación teatral española reciente: Clara Lago y Diego Martín protagonizan la obra teatral de David Ives en el Matadero, dirigidos por David Serrano: http://www.elmundo.es/cultura/2014/05/06/5367d243268e3e9f038b457f.html

Escena de la películacaracartel venus

La venus de las pieles (La vénus a la fourrure), Roman Polanski, 2013) 96’

22 de enero de 2015 – Salón de actos de la Biblioteca Pública de Valladolid, 19:00 h