La película que vamos a ver en esta sesión es de una directora holandesa, Marleen Gorris, que creció en el seno de una familia protestante en el católico sur holandés.
Es una declarada feminista y esto se refleja en su filmografía, algunas de sus películas son:
“La cuestión del silencio” (1982), “Espejos rotos” (1984), “La Última Isla” (1991) y la que vamos a ver que es:
«Antonia»
Es una película holandesa del año 1995
Género: Comedia-Drama
Duración: 102 minutos
Premios: Oscar a la mejor película de habla no inglesa
Una mujer holandesa poco convencional, forja en su familia un estilo de vida con pensamientos liberales.
La directora la describe como «un cuento de hadas feminista”
Descrita como una «fábula feminista», la película destaca por su visión del matriarcado, la independencia de la mujer y la tolerancia, mostrando cuatro generaciones de mujeres que deciden sobre sus propias vidas.
Antonia (la bisabuela), Daniela (la hija), Teresa (la nieta) y Sara (la bisnieta). La trama conjunta de estas cuatro mujeres, con vidas entrelazadas entre sí.
La elección es de nuestra compañera Estrella, nos ha mandado esta sinopsis y después del visionado nos explicará porque le gusta esta “Antonia”.
SINOPSIS
En una granja tranquila de la campiña holandesa, la nonagenaria Antonia repasa su vida tranquilamente acostada en su cama, desde que llegó a su pueblo, en la Holanda profunda para el funeral de su madre en los años 40, después de la II Guerra mundial, acompañada de su hija, hasta los años 90.
En el pueblo, día a día, el comportamiento independiente de Antonia y su familia se mezcla con la vida cotidiana del pueblo.
La vieja granja se convierte en el hogar de personas muy variadas, en un lugar de acogida donde el que llega tiene un plano en la mesa, pero también trabajo en la granja, que, en esos tiempos, todas las tareas había que hacerlas sin a penas maquinaria, y toda ayuda es necesaria.
Es una película que realza la solidaridad, la libertad, da visibilidad a las mujeres y a las personas con discapacidad intelectual.
Os dejamos un enlace para leer después de ver la peli
“El film es pura emoción, anti-convencional y seduce con la narración poética en la que nos sumerge sobre la vida, el amor y la muerte. Una narración en la que «el tiempo no cura todas las heridas, simplemente alivia el dolor y desdibuja los recuerdos.»
“Nada muere completamente, siempre queda algo de lo que crece algo nuevo. Así empieza la vida sin saber de dónde ni viene y sin saber por qué. Porqué la vida quiere vivir. Este es el único baile que bailamos» explica Antonia a su bisnieta Sara.
Auditorio de la Biblioteca Pública de Valladolid, jueves 19 de febrero de 2026, 19:00h
En la tercera sesión del Club de Cine vamos a ver una película de culto, la cual se considera una de las películas mas singulares en la historia del cine.
De ella se dice que es: “Fabulosamente friki”, la delirante ‘The Rocky Horror Picture Show’ se sigue coreando 50 años después.
La elección y presentación corre a cargo de nuestro compañero Luis Garea.
Nos ha mandado el siguiente texto:
Título original: The Rocky horror picture show
Año: 1975. Duración: 100 min.
País: Reino Unido
Dirección: Jim Sharman
Guion: Richard O´Brien
Música: Richard O´Brien
Reparto: Tim Curry, Susan Sarandon, Barry Bostwick, Richard O¨Brien, Patricia Quinn, Peter Hinwood, Meat Loaf, Neil Campbell, Charles Gray, Ernest Blyth.
Cuando una pareja regresa de la boda de unos amigos, estalla una violenta tormenta y el coche se les avería. Así las cosas, no tienen más remedio que refugiarse en un castillo cercano, donde el doctor Frank-N-Furter vive entregado a la creación de una especie de Frankenstein.
Notas sobre la película:
Jim Sharman junto a Richard O´Brien construyen esta película sobre la obra de teatro musical que ya existía “The Rocky horror show (1974)” que tuvo un considerable éxito en los teatros.
Esta disparatada creación atrae por su transgresora forma de enfrentarse al mundo de la transexualidad, la heterosexualidad y la libertad desde un enfoque de comedia negra de terror y ciencia ficción, es un homenaje evidente a las películas de serie B de los años 30 y 50 en las que se filmaba con un presupuesto mínimo.
muy acorde a los gustos de la época, recordemos Hair, Jesucristo Superstar entre otros que triunfaron en las salas de teatro y luego en la pantalla.
Cuando vi por primera vez esta película pensé en que era mediocre, sin gusto alguno, los efectos especiales eran sencillos, la fotografía en ocasiones nada clara, la iluminación que decir de ella, muy pobre. Pero pasaban los minutos y mis pies se movían al ritmo frenético de la banda sonora y las escenas te llevaban sin respiro a una historia que tenía un mensaje de libertad y de sutil búsqueda de unas emociones que no eran de carácter sexual si no más bien de encontrar un alma que se acerque a la tuya, era algo más profundo que una simple comedia banal sin sustancia.
En el documental realizado por el hijo de Richard O´Brien sobre la película: The Rocky horror Picture Show, ese extraño viaje (Linux O´Brien), relata como muchos jóvenes en Reino Unido y EEUU pudieron ser conscientes de su propia sexualidad y no tener miedo a mostrar lo que eran en una sociedad que cercena toda muestra de ir contra lo establecido.
Esta película está considerada como una película de culto, hay que verla desde la perspectiva de los años 70 y entender lo difícil que era entonces mostrar este tipo de realidades en la sociedad de entonces.
Espero que os guste y el debate está servido, será después de la peli.
«Película de culto, apología de la diversión y el sexo por el sexo, contiene algunas de las escenas más hilarantes y provocativas del cine de los años 70»
Los rótulos y comercios antiguos son pequeñas cápsulas del tiempo que sobreviven en nuestras calles. A través de la fotografía, sus tipografías gastadas, colores desvaídos y materiales tradicionales cuentan historias de otros ritmos de vida. Cada letrero conserva la identidad de un barrio y la memoria de quienes lo habitaron. Fotografiarlos es un acto de preservación visual y cultural. Son huellas silenciosas de un pasado cotidiano que aún dialoga con el presente.
1. Recuerden, ¡Herranz las camisas! / Agustín Sánchez
2. Cartel Lion D’Or / Raquel Esteban
3. Al filo del tiempo / Laura Tejero. Primera clasificada
4. Bar / José Luis Peláez
5. Ultramarinos y café / Jesús Hernando
6. El Colmao / Charo Martinez
7. Luces que giran desde 1889 / Elena Parrilla
8. Oportunidades pasadas / Laura Tejero
9. Cine X / Miguel Ángel Andrade
10. El Herbe / Raquel Esteban
11. En verde y negro / Agustín Sánchez
12. Rua Direita / Charo Martínez
13. Los 40 sexys / Miguel Ángel Andrade
14. Neón sin tiempo / Laura Tejero
15. Calzados de la Torre / Charo Martínez
16. Sanidad / José Luis Peláez
17. Joyería Fernando Potente / Raquel Esteban. Tercera clasificada
18. Goloso / Jesús Hernando
19. Sala Cervantes / José Luis Peláez
20. Al final picó / Agustín Sánchez. Segunda clasificada
En la segunda sesión de este año del club de cine vamos a ver la película:
Vías cruzadas
Título original:The Station Agent
Año: 2003. Duración: 88 min. Dirección: Thomas McCarth
Reparto:
Patricia Clarkson, Peter Kinklage, Boby Cannavale, Raven Goodwin, Paul Benjamín, Michelle Williams
La presentación la hará nuestra compañera Carmen Devesa
Además de recibir en el Festival de Sundance 2003 los premios del Público, al mejor guion y a la mejor interpretación (Peter Dinklage), esta película norteamericana independiente ganó el Premio Especial del Jurado y el Premio Especial SIGNIS en el Festival de San Sebastián 2003.
Notas sobre el director:
Thomas McCarthy debuta en la dirección de largometrajes con este film. Hay que destacar el excelente guion, la fuerza actoral, nos los presenta como personajes vivos y la forma de rodarla.
Por último, es necesario añadir que la película es un homenaje a la cultura ferroviaria, y está llena de amor por los trenes, su historia y su significación en la configuración de Estados Unidos.
Sinopsis Finbar McBride sólo tiene una pasión: los trenes. Tras la muerte de su único amigo y compañero de trabajo, se instala en una estación de tren abandonada para vivir como un ermitaño. Lo único que quiere es estar solo y que lo dejen tranquilo, pero para él, nacido con problemas de enanismo, pasar inadvertido es una tarea casi imposible. Fin no tarda en verse involucrado en las vidas de algunos de sus vecinos y descubrirá que incluso el aislamiento es mejor compartido.
Es una película que trata sobre la soledad, la amistad, los encuentro/desencuentros y como las vías, se cruzan, se juntan y se separan.
El director pone el foco en tres personajes que son: Fin, Olivia y Joe y habría que preguntarse:
¿Buscan la soledad? ¿Tienen la misma actitud ante la soledad o hacia la situación que sufren? ¿Por qué?
¿Qué es lo que hace posible la amistad de tres personas tan distintas? ¿Qué pone cada una en esa relación?
Destaca el giro de guion a la mitad de la película, y vemos un punto de inflexión y un cambio en la vida de los personajes, un cambio interior y en la forma de afrontar la relación con los demás. Y es que el gran tema de la película es ver que defenderse del otro empobrece, abrirte a él e implicarte en su destino, humaniza. Hay que apuntar que la estación, el tren y las vías son el cuarto personaje en esta historia
De todo ello hablaremos con Carmen Devesa esta tarde, seguro que el debate será de lo más interesante.
En la primera sesión de 2026, volvemos a ver una película del gran Billy Wilder, al que Fernando Trueba, al recoger su Óscar por Belle Epoque, se refirió de esta manera: «Quisiera creer en Dios para darle las gracias, pero sólo creo en Billy Wilder, él es mi verdadero Dios. Gracias, Mr. Wilder», y elegida por otro grande, nuestro Magister y dios particular, Arturo, que nos ha enviado este texto:
Hoy me toca a mí elegir película para inaugurar el año, y apuesto sobre seguro: Billi Wilder y una de sus obras maestras, El crepúsculo de los dioses (1950), la cual cumplió su 75º aniversario el año pasado.
El grandilocuente título responde a la inveterada costumbre de los distribuidores españoles de agudizar su ingenio para cambiar los títulos originales de las películas. En este caso, Sunset Boulevard hace referencia a una avenida que recorre Hollywood y donde acostumbran a vivir las estrellas del celuloide. Además, el nombre de la calle significa atardecer, ocaso (pues esa es la orientación de la avenida), de modo que, de forma sutil, el título original nos introducía en el tema de la película. Sutileza que se pierde en el título español, por si acaso el público patrio no se enteraba de qué iba la peli.
Recuerdo que la vi una noche en la segunda cadena de Televisión Española, donde tanto cine hemos aprendido los que ya somos algo talluditos, y me impresionó. En todos los aspectos: guion, dirección, fotografía, interpretación…
La película es una reflexión sobre el paso del tiempo, en general, simbolizada por el ocaso de las estrellas del cine mudo con la aparición del sonoro (un tema que retomaría un par de años más tarde Gene Kelly en Cantando bajo la lluvia). El cine mudo es mi debilidad y esa es una de las razones para elegir esta película.
Se podría hablar y escribir largo y tendido sobre El crepúsculo de los dioses, pero solo quiero destacar dos cosas: el punto de vista y un plano (y no me refiero al famoso travelling de Gloria Swanson bajando las escaleras de su mansión). Toda la película está contada en flashback por un cadáver que aparece flotando en la piscina de la protagonista, un cadáver al que vemos en un plano nadir. ¿Y qué era esto de un plano nadir?
“No hay nada más. Solo nosotros y las cámaras… y esas personas maravillosas ahí, en la oscuridad.”
Muchas gracias, Arturo. Nos encantaría ver la película contigo. No sabes cuánto te vamos a echar de menos.
Os dejamos el enlace de la película de Filmaffinity, nuestra página de referencia de cine, para que lo podáis echar un vistazo después de ver la película, o cuando mejor os parezca a vosotros:
La fotografía captura las formas como si fueran susurros de la luz. Líneas que nacen de la sombra, contornos que se revelan en silencio y volúmenes que el ojo aprende a sentir. A través del encuadre, el mundo se detiene un instante y las formas dejan de ser objetos para convertirse en gestos, ritmos y emociones.
Espiral / José Luis Peláez. Primera clasificada
2. Si pisas círculo, pierdes / Miguel Ángel Andrade
3. Torre de Babel / Laura Tejero. Segunda clasificada (empate)
4. La historia del fútbol / Andrés de Miguel
5. Tirando / Jesús Hernando
6. Cúpula / Raquel Esteban
7. Acudo ¡rápido! / Charo Martínez
8. Sujetando peso / Andrés de Miguel
9. Fractal / José Luis Peláez
10. Paralelepípedos / Carlos de San Luis
11. Espiral de cristal / Laura Tejero
12. Tango argentino / Enrique Salas
13. Misterio / Ana Isabel Iglesias
14. Curva hacia el cielo / Charo Martínez
15. Radar en tiempo real o pájaros / Miguel Ángel Andrade
16. Formas naturales / Víctor Manuel Simón
17. Calabaza / Raquel Esteban. Segunda clasificada (empate)
18. Formas abandonadas / Carlos de San Luis
19. Las casas del cuento / Víctor Manuel Simón. Tercera clasificada
20. Vela al viento / Enrique Salas
21. Subir o bajar / Laura Tejero
22. Tetris / Miguel Ángel Andrade
23. Poniendo vallas al campo / Víctor Manuel Simón
24. Paralelas de Tierra de Pinares / Charo Martínez
25. Tal cual / Ana Isabel Iglesias
26. Qué formas son esas / José Luis Peláez
27. Como una flecha / Ana Isabel Iglesias
28. Formas construidas / Carlos de San Luis
29. Esquirla / Raquel Esteban
30. Amalgama / Jesús Hernando
31. Hasta el infinito / Andrés de Miguel
32. Cantos rodados. El paso del tiempo / Enrique Salas
Para la tercera sesión del Club de cine (y última del año), retomaremos una costumbre de las primeras ediciones: cambiar el escenario de nuestro encuentro. Creo que la primera vez que lo hicimos fue para ver El arca rusa (Aleksandr Sokúrov, 2002), en la capilla del Museo Nacional de Escultura. Este jueves nos desplazaremos hasta los cines Casablanca.
Se proyectará, a la misma hora del inicio habitual de nuestro Club, la película Cartas mojadas (2020), con la presencia de su directora, Paula Palacios. Además, podremos ver antes su cortometraje La carta de Zahra (2017), lo que nos servirá para celebrar, con una semana de anticipación, El día más corto, iniciativa que busca reivindicar la importancia de este género, a la cual nos sumamos todos los años.
La película forma parte del Ciclo de Cine y Sensibilización Audiovisual (Derechos Humanos) organizado por COODECYL (Coordinadora de Organizaciones de Desarrollo de Castilla y León), que se desarrollará en dos jueves consecutivos y tendrá como protagonista a la directora Paula Palacios. En el ciclo se repasará toda su obra: el cortometraje La carta de Zahra (2017), y sus dos largometrajes, Cartas mojadas (2020) y Mi hermano Alí (2024), ambos nominados a los Premios Forqué y Goya al Mejor Documental.
Cartas mojadas cuenta la epopeya de miles de personas que cruzan el Mediterráneo tratando de alcanzar Europa, siguiendo cartas escritas, de madres a hijos, acompañando al barco de la ONG Open Arms, en su lucha para salvar a 550 personas de un naufragio.
Es una oportunidad única que no nos podemos perder, por ello la decisión de trasladar nuestra sesión hasta los cines Casablanca.
La entrada es libre, pero es necesario retirar la invitación en taquilla o por internet, antes de que se agoten.
¡A disfrutar del cine y feliz año 2026!
Cartas mojadas (Paula Palacios, 2020) 81’
Cines Casablanca de Valladolid, jueves 11 de diciembre de 2025, 19:00h.
El otoño, con su paleta cálida de ocres y dorados, es perfecto para fotografiar. La luz suave y baja resalta texturas y sombras que en otras estaciones pasan desapercibidas. Las hojas caídas crean escenarios naturales llenos de historia y movimiento. Cada paseo se convierte en una oportunidad para capturar instantes melancólicos y hermosos, invitando a detenerse y observar cómo la vida se transforma.
Cita en el estanque / Enrique Salas
2. Charco / Jesús Hernando
3. La factura del tiempo / José Luis Pelaez
4. Traslados otoñales / Charo Martínez
5. Paseando / Águeda Rodríguez
6. Otoño en el parque de Las Moreras / Raquel Esteban
7. Paseo otoñal / Miguel Ángel Andrade
8. Espiral / Víctor Manuel Simón. Tercera clasificada
9. Árboles deshojados / Carmen Navarro
10. Otoño en blanco y negro / Carlos de San Luis
11. Pavo entre las hojas / Sergio Rodríguez
12. Paisaje otoñal / Elena Parrilla
13. Sosiego / Ana I. Iglesias
14. Alfombra de otoño / José Luis Peláez
15. Caída / Jesús Hernando
16. La huella del otoño / Andrés de Miguel. Segunda clasificada
17. Desnudos / Águeda Rodríguez
18. Preparando la caída / Miguel Ángel Andrade
19. Atardecer / Laura Tejero
20. El puente de otoño / Sergio Rodríguez
21. Otoño en el palacio / Charo Martínez
22. Pasarela hojaldrada / Raquel Esteban. Primera clasificada
En esta segunda sesión del Club de cine de esta temporada, por fin una comedia, como dice nuestra compañera Elvira, que es quien propone esta película, Con faldas y a lo loco, dirigida por Billy Wilder en 1959. Su título original en inglés es Some Like It Hot.
Este es el texto que nos ha enviado Elvira:
A estas alturas del club de cine es posible que os parezca una absoluta osadía presentar una película que todo el mundo ha visto no una sino muchas veces, pero ante el nuevo reto que nos ha propuesto Arturo sentí la necesidad de presentar una comedia, ya que es un género que yo siempre estaba reivindicando y no me parecía correcto intervenir por primera vez y traer una película de un género diferente.
Por otro lado, casi en cada curso hemos visto y analizado algún clásico, ya que siempre podemos aprender de los grandes. Ya lo dijo Trueba: «Wilder es un dios en el que creer» y yo añado que si no en todo momento, al menos cuando necesitamos reconciliarnos con la vida es el más recomendable. Así que estoy segura de que este es un buen momento para un nuevo visionado de esta película en que se juntaron tantos genios en estado de gracia. El primero, por supuesto es Wilder que con este remake consigue una de las cimas de su carrera que rematará al año siguiente con el magnífico filme «El apartamento» con el que cosecha un buen puñado de premios.
Y ¿qué decir de Marilyn? ¿Puede haber un ser de luz que supere esa belleza y ese aire sensual y cándido a la vez? Creo que todo el planeta se enamoró definitivamente de ella, si es que no lo estaba ya. En la pantalla no se trasluce la difícil relación que tuvieron el director y ella durante el rodaje, lo cual nos pone de relieve el enorme talento y profesionalidad de ambos.
Jack Lemmon y Tony Curtis forman con ella el trío protagonista y su nivel actoral nos deja dudando de si han tocado techo y si podrán mantenerse a la altura durante más tiempo. En mi opinión, eso le sucedió a Lemmon pero creo que Curtis nunca volvió a brillar tanto.
El travestismo es hasta cierto punto habitual en el mundo del espectáculo, pero la gracia, elegancia y torpeza con las que estos dos actores aparecen por primera vez “convertidos” en mujeres en la estación del tren son una de esas imágenes icónicas e indelebles de las que por otra parte la película está plagada. Imágenes, actuaciones musicales y frases que quedan para siempre en la memoria del espectador, como la que cierra la película de manera magistral y que está ahí, a nuestra disposición, para usarla y zanjar muchas conversaciones que parecen no tener un final.
El resto del elenco está perfectamente elegido y aporta su genio particular para contribuir a la excelencia de la obra, tendremos tiempo de hablar de todos ellos en el coloquio.
Sobre las cuestiones técnicas, espero que entre todos podamos extraer algunas buenas reflexiones, ese no es mi fuerte a pesar de haber aprendido bastante en los años que llevo perteneciendo a este selecto club.
Pero ya sabéis: Nadie es perfecto.
La película en la que estaba basada se llamaba “Fanfare d’amour” y estaba dirigida por el austríaco Richard Pottier.
Muchas gracias, Elvira. Nos va a encantar volver a verla de tu mano.
Os dejamos el enlace de la película de Filmaffinity, nuestra página de referencia de cine, para que lo podáis echar un vistazo después de ver la película:
Un minuto y a escena 