Llegamos a la séptima película de este año y nos la va a presentar nuestro compañero Jaime.
Dirección: Francis Ford Coppola Guion: Susan E. Hinton y Francis Ford Coppola Basada en: Rumble Fish de Susan E. Hinton Música: Stewart Copeland Fotografía: Stephen H. Burum Diseño de producción: Dean Tavoularis Protagonistas Matt Dillon, Mickey Rourke, Diane Lane, Vincent Spano, Nicolas Cage, Dennis Hopper, Laurence Fishburne, Chris Penn
En esta sesión disfrutaremos de La ley de la calle, aunque yo encuentro mucho mejor su título original, Rumble fish (pez luchador). Es la película más personal y vanguardista de Francis Ford Coppola, una historia estilizada que se siente como un sueño febril en blanco y negro. Fue Concha de Oro en San Sebastián
En 1983, tras rodar The Outsiders (Rebeldes), Coppola decidió quedarse en Tulsa, Oklahoma, para rodar una “hermanita pequeña” y experimental. Mientras que la primera fue una historia cálida con un esquema muy clásico, Rumble Fish es su reverso tenebroso: una película de arte y ensayo disfrazado de cine de pandilleros juveniles. Ambas, Rebeldes y Rumble fish, están basadas en novelas de Susan Hinton, novelista de cierto éxito en Estados Unidos.
Es imposible hablar de la temática sin hablar del estilo y la estética, ya que en esta película todo está muy entrelazado. Intentémoslo.
Empezando por el elenco, Coppola volvió a contar con dos actores a los que había recurrido para Rebeldes: unos casi adolescentes en la vida real, como sus personajes, Matt Dillon, y Diane Lane, a los que se une un no tan joven (aunque también al principio de su carrera) Mickey Rourke. Dillon interpreta a “Rusty James”, un pandillero que ha heredado el liderazgo de su banda de su hermano mayor, el “Chico de la moto”, un líder legendario que ha desaparecido, pero que retorna inesperadamente.
La historia que se cuenta no es tan importante, porque Coppola configuró la película, desde el punto de vista narrativo, con un argumento que careciera de desarrollo dramático, y que se apoyara en escenas aisladas que reflejaran la relación entre diversos personajes (los miembros de la pandilla de Rusty, el propio Rusty, su hermano mayor y su padre, Rusty y su novia, etc.).
También es muy particular el uso que hace Coppola de la técnica del time lapse o cámara acelerada, para mostrar salidas y puestas de sol fulgurantes y unas nubes que corren aceleradas, dando la impresión de que la ciudad es una olla a presión a punto de estallar.
Esto, junto con el uso de grandes angulares para dar una gran profundidad de campo a los planos hace que se cree un ambiente cerrado y agobiante.
En cuanto al diseño de producción, Dean Tavoularis (el diseñador de producción habitual de Coppola) creó un entorno que parece suspendido en el tiempo. Aparte de las nubes nos encontramos con humo y niebla, lo que, junto al ambiente ruinoso y a las sombras alargadas da un aire fantasmagórico a la historia.
Los relojes y el aceleramiento de las imágenes sugieren la angustia de una juventud que se escapa. De hecho, el diseño está plagado de relojes (en vallas publicitarias, en tiendas, en la calle) que a menudo no tienen manecillas o están parados, simbolizando la obsesión de Coppola con el tiempo perdido.
La Banda Sonora está hecha íntegramente por Stewart Copeland, baterista de The Police, que creó una partitura percusiva y caótica que utiliza sonidos ambientales (relojes, cristales, ruidos de calle). La música no acompaña a la imagen, sino que dicta el pulso cardiaco de la película.
Para terminar, dos citas de la película que plasman muy bien su esencia:
“El tiempo es una cosa muy curiosa. Un elemento muy curioso. Cuando eres joven, eres un niño, tienes tiempo para todo. Luego pasas un par de años de aquí para allá y no es importante. Pero cuanto más viejo eres, más te preguntas: ¿Cuánto tiempo me queda?”. (Benny, Tom Waits), el propietario del bar.
“Si vas a liderar a la gente, tienes que tener un lugar a donde ir” (El chico de la motocicleta)
Ocurre todos los años, la esperamos, la intuimos y un día nos sorprende y se nos revela luminosa, perfecta y única. Es el milagro de la primavera, hoy a través de la mirada de nuestros fotógrafos.
Canto / Víctor Manuel Simón
2. Temporada de primavera / Laura Tejero
3. Placeres de la primavera / Raquel Esteban
4. Almendros en flor / Elena Parrilla
5. Caléndula / Enrique Salas
6. A punto de explotar la floración / Miguel Ángel Andrade
7. Bufé libre / José Luis Peláez (Segunda clasificada)
8. A juego con la primavera / Raquel Esteban
9. Las tardes al sol / Tomás González
10. Flor / Carlos de San Luis
11. Resiliencia floral / José Luis Peláez
12. Luz / Víctor Manuel Simón (Primera clasificada)
13. La primavera quiere entrar / Laura Tejero
14. La sangre altera / Jesús Hernando
15. Atardecer / Tomás González
16. Abril en la calle / Carlos de San Luis
17. Primavera en el agua / Charo Martínez
18. Esgueva / Jesús Hernando
19. Sol, sol, saca los cuernos al sol / Elena Parrilla
20. Tras la ventana / Enrique Salas
21. Vuelven las atracciones / Jesús Hernando
22. Atardecer primaveral / Carlos de San Luis
23. Gigantes de cm / Charo Martínez (Tercera clasificada)
24. Conversación / Tomás González
25. Meriendas de primavera / Miguel Ángel Andrade
26. Poda primaveral / Raquel Esteban
27. Pensamientos frescos / José Luis Peláez
28. Primavera / Víctor Manuel Simón
29. De flor en flor / Laura Tejero
30. Exhibición real / Enrique Salas
31. Primavera en la parra / Charo Martínez
32. Tormenta primaveral / Elena Parrilla
33. Haciendo el cambio de armario / Miguel Ángel Andrade
Nos la presenta Jorge Vallejo, antiguo miembro del Club de cine. Con él y con el director Alfonso Cuarón vamos a nadar en distopias de los mas actuales.
Jorge nos lanza una pregunta y nos propone un análisis muy particular de la misma. Nos manda el siguiente texto:
Título original: Children of Men Año: 2006 Duración: 109 min. País: Reino Unido / Estados Unidos Dirección: Alfonso Cuarón Guion: Alfonso Cuarón, Timothy J. Sexton, David Arata, Mark Fergus, Hawk Ostby (Novela: P.D. James) Fotografía: Emmanuel Lubezki Reparto: Clive Owen, Julianne Moore, Michael Caine, Chiwetel Ejiofor, Clare-Hope Ashitey, Pam Ferris. Género: Ciencia ficción. Thriller. Drama | Distopía. Supervivencia.
SINOPSIS
En el año 2027, el ser humano está al borde de la extinción: los hombres han perdido la capacidad de procrear y las mujeres se han vuelto estériles. No ha nacido un solo niño en los últimos 18 años. El mundo se ha sumido en el caos, las guerras y los colapsos medioambientales, dejando a Gran Bretaña como uno de los pocos lugares que mantiene cierto orden, aunque bajo un régimen militarizado y totalitario que persigue implacablemente a los inmigrantes. En este escenario de desesperanza, Theo (Clive Owen), un exactivista desilusionado convertido en burócrata, es contactado por su exmujer (Julianne Moore) para que le ayude a conseguir un salvoconducto para una joven refugiada. Pronto descubrirá que esa joven alberga un milagro que podría cambiar el destino de la humanidad.
Tras la proyección intentaremos responder a esta pregunta: ¿es Hijos de los hombres una obra maestra?
Para ello analizaremos la película como si fuera una cata de vino, evaluando algunos de sus elementos fundamentales y puntuándolos de 0 a 5, donde 5/5 representa una obra perfecta.
Elementos que analizaremos
Diseño de producción
Fotografía
Sonido
Guion
Actores
Dirección
Un plus final: el alma de la película
Criterio evaluativo
El objetivo es ir más allá del “me gusta” o “me entretiene” y tratar de construir un criterio algo más técnico.
Partimos de una base: una película que llega a estrenarse comercialmente suele tener un mínimo de calidad, por lo que 3/5 representaría una película correcta.
4 – 4.5: películas buenas o muy buenas, con elementos que destacan claramente (dirección, guion, interpretación…).
Más de 4.5: el territorio de las grandes obras del cine, películas que merecen ser estudiadas por su excelencia técnica o narrativa.
El Plus
Existe además un factor difícil de medir: la personalidad o el alma de una película. Ese elemento intangible que hace que conectemos con ella. Este plus puede convertir una película normal en una favorita personal, o incluso salvar una obra imperfecta. En resumen: cuanto más se acerque una película al 5/5, más difícil será negar su calidad, aunque personalmente no nos emocione.
Diseño de producción
El diseño de producción es la disciplina responsable de la apariencia visual de la película. Incluye todas las áreas que construyen su estética: escenografía, vestuario, maquillaje, peluquería o utilería.
Muchas veces pasa desapercibido porque estamos acostumbrados a ciertos estándares. Pero incluso en detalles que aparecen solo unos segundos —como las portadas de periódicos en el fondo de una escena— se construye lo que se llama narrativa ambiental, pequeños elementos que ayudan a contar la historia sin necesidad de diálogo.
En películas de ciencia ficción o distopía, como Hijos de los hombres, el diseño de producción es fundamental para que ese mundo resulte creíble y aporte detalles.
Fotografía
Para mí, uno de los aspectos más impresionantes de la película. Aquí hablamos claramente de un 5/5.
El director de fotografía es Emmanuel Lubezki, responsable también de películas como El árbol de la vida, Gravity, Birdman o El renacido.
Su estilo tiene varias características muy reconocibles:
Planos secuencia largos que sumergen al espectador en la acción sin cortes.
Cámara orgánica y cercana, casi documental, que nos hace sentir dentro de la escena.
Uso de luz natural, evitando iluminación artificial siempre que es posible.
Grandes angulares muy próximos a los actores, que permiten ver su emoción sin perder el contexto del entorno.
Colaboración muy estrecha con el director Alfonso Cuarón, hasta el punto de coreografiar escenas complejísimas donde cámara, actores y acción funcionan como una única maquinaria.
Durante la sesión analizaremos tres secuencias especialmente representativas:
el plano inicial
la secuencia del coche
la secuencia final
Sonido
En este apartado podemos agrupar banda sonora, montaje sonoro y diseño de sonido.
La música incluye una pieza espiritual del compositor John Tavener, con una atmósfera casi litúrgica que introduce una dimensión sagrada a la historia.
Al mismo tiempo, la película mezcla canciones de John Lennon, King Crimson o Deep Purple, creando una banda sonora ecléctica que refleja un mundo en decadencia donde la cultura del pasado aún sobrevive.
El diseño de sonido también es clave para la inmersión. Por ejemplo, tras algunas explosiones el sonido se transforma en un zumbido agudo, reproduciendo lo que sentiría una persona tras un impacto cercano.
El silencio también se utiliza como herramienta dramática, aumentando la tensión antes de que estalle la violencia.
Guion
La película está basada en la novela The Children of Men de P. D. James, aunque la adaptación toma muchas libertades.
El guion fue desarrollado por varios autores, incluido Alfonso Cuarón, que reescribió la historia para darle un tono más visceral y cinematográfico.
La película mezcla varios géneros:
thriller
road movie
drama distópico
Uno de sus mayores aciertos es el principio narrativo de “mostrar, no explicar”.
Además, rompe con el arquetipo del héroe clásico. Theo es un hombre cansado,desencantado y emocionalmente roto que simplemente intenta sobrevivir.
Actores
Las interpretaciones refuerzan el tono realista de la película.
Clive Owen (Theo) ofrece una interpretación contenida, muy humana.
Clare-Hope Ashitey (Kee) representa la esperanza en un mundo que ha perdido el futuro.
Michael Caine (Jasper) aporta humor, ternura y memoria del pasado.
Julianne Moore (Julián) aparece poco, pero su presencia impulsa toda la historia.
Dirección
La dirección de Alfonso Cuarón destaca por su capacidad para integrar todos los departamentos en una experiencia coherente.
Las escenas de acción parecen caóticas, pero están cuidadosamente coreografiadas: extras, cámara, actores y efectos trabajan juntos con una precisión enorme.
El resultado es una narrativa invisible, donde el espectador no siente que está viendo una película, sino fragmentos de un mundo real.
El Plus: el alma de la película
Lo que realmente hace especial a Hijos de los hombres es su humanismo en medio del colapso.
No es solo una distopía futurista. Es una película que nos invita reflexionar sobre problemas universales como la inmigración, los estados autoritarios, y un posible fin de la humildad causado en parte por nuestra propia mano, para finalmente darnos: esperanza cuando todo parece perdido.
Sobre su actualidad
La película, que ya tiene cerca de veinte años, fue concebida como una distopía, una exageración deliberada de algunas tendencias sociales para proyectarlas hacia el futuro. Funciona como un espejo deformante, un espejo de feria que amplifica los defectos de nuestra sociedad para obligarnos a mirarlos.
Esa exageración debería estar en terreno de la ficción. Sin embargo, algunos acontecimientos recientes —como determinadas políticas migratorias y la persecución de inmigrantes en Estados Unidos por cuerpos como ICE— hacen que esa distopía ya no parezca tan lejana.
Y quizá ahí reside una de las grandes virtudes de Hijos de los hombres: que, casi veinte años después, sigue invitándonos a reflexionar sobre el tipo de futuro que estamos construyendo.
Para terminar esta entrada, esta vez no se va a hacer con paginas de referencia sobre la película, se va a hacer mención al trabajo de Jorge vallejo, el cual nos ha mandado un enlace para conocer un video juego en el que ha estado trabajando en los últimos 5 años.
Los mercados son un festín visual: colores, texturas y rostros que cuentan historias sin palabras. En cada puesto se esconde una escena única, ideal para capturar la esencia viva y espontánea de la calle.
Colores / Víctor Manuel Simón
2. Pintura y arte en el mercadillo / Ana Isabel Iglesias
3. Todo preparado / Carlos de San Luis
4. Pescadería en El Campillo / Raquel Esteban. Segunda clasificada
5. Poco pan para tanto chorizo / Agustín Sánchez
6. Comentando / Jesús Hernando
7. Paleta de colores / Charo Martínez
8. Persianas / Tomás González
9. Mercadillo hipster / Agustín Sánchez
10. Trampantojo de mercado / Carlos de San Luis
11. A ver qué encuentro hoy / Laura Tejero
12. La duda / Tomás González
13. Y un jamón / Enrique Salas
14. Amalgama de colores / Laura Tejero
15. Balanza en El Campillo / Raquel Esteban
16. El sartenazo / Carlos de San Luis
17. Tabla de corte / José Luis Peláez. Primer clasificado
18. Mercado bajo techo / Charo Martínez
19. Camisas / Víctor Manuel Simón
20. Su turno / Tomás González
21. Curioseando / Ana Isabel Iglesias
22. Reflejo del rastro / José Luis Peláez
23. Líneas / Víctor Manuel Simón
24. Mercado al atardecer / Raquel Esteban
25. Sorprendidas / Jesús Hernando
26. ¿Quién me quiere? / José Luis Peláez. Tercera clasificación
27. Patas arriba / Agustín Sánchez
28. Caminando / Jesús Hernando
29. Entre visillos en la modernidad / Ana Isabel Iglesias
La entrada para la película de esta sesión 5 de marzo de 2026 es todo un reto, puesto que se la denomina obra maestra, es una joya del cine mudo y de su director, el maestro Charles Chaplin.
Su filmografía es amplia, podemos destacar: The Kid (1921), El Circo (1928), Luces de la ciudad (1931), Tiempos Modernos (1936), El Gran Dictador (1940), con esta se produce su paso al sonoro.
La joya de hoy es: La quimera del oro 1925.
La elección es de nuestra compañera Loreto, y nos mandado el siguiente texto
La quimera del oro (The Gold Rush) es una película muda escrita, dirigida, producida y protagonizada por Charles Chaplin.
En 1942 fue reestrenada en versión sonora, con un nuevo acompañamiento musical y narración en off del propio Chaplin.[] Esta versión tuvo dos candidaturas a los Premios Óscar: al mejor sonido y a la mejor música.[]
Versión original de 1925 se acompañaba de música en vivo.
Cuando Chaplin estrenó esta película ya llevaba decenas de cortometrajes y dos largometrajes a sus espaldas y en la carrera cinematográfica había desarrollado no solo un personaje icónico, sino también una fórmula única: una unión entre humor visual, emocional y hasta social que con este relato alcanza uno de sus puntos más altos.
Inspirada tanto por imágenes documentales de pioneros en la nieve, como por la tragedia del famoso caso de la expedición Donner, la quimera del oro nos presenta al buscador solitario, enfrentado a los rigores del invierno, al hambre, la locura y al amor no correspondido.
Ciento un año después, esta historia concebida como una especie de sátira épica de la fiebre del oro que se produjo en la región de Klondike, logra superar el paso del tiempo provocando en los espectadores actuales la misma emoción, risa y entusiasmo, que provocó en los espectadores de todos los países donde se proyectó la película en 1925.
Ambientada en Alaska durante la fiebre del oro y filmada tanto en localizaciones naturales de las montañas de Nevada como en costosísimos decorados, esta superproducción de 15 meses de rodaje y escenas con 600 extras es un buen ejemplo de la poderosa independencia de Chaplin y su seria dedicación al arte de la risa con meticulosidad y perfeccionismo.
La actuación de Chaplin pulida a lo largo de los años, brilla en cada gesto y mirada, logrando que su personaje nos comunique, sin necesidad de palabras, ternura, tristeza, alegría y nostalgia, así como una exquisita dignificación de la pobreza.
La película fue rodada en 35 mm y con cámara fija en casi todos los planos, con una iluminación expresionista, destacando contrastes de luz en interiores y escenas nocturnas, sin sombras dramáticas para mantener una claridad visual y con gestos precisos no exagerados.
Con una escenografía coreografiada con movimientos calculados al milímetro, repitiendo tomas hasta conseguir la perfección, logrando esa mezcla de humor y emoción que nunca ridiculiza el sufrimiento, sino que lo ilumina.
También utilizó la técnica de matte paintings para lograr exteriores falsos.
. Dirección, guion, producción, montaje: Charlie Chaplin
. Fotografía: Roland Totheroh, Jack Eilson
. País: Estados Unidos
. Año 1925
. Duración: 95 minutos
. Género: Tragedia cómica y aventuras.
. Producción: United Artists
Gracias Loreto por los enlaces que has compartido
Nota sobre:
“El matte painting es una técnica de efectos visuales utilizada en cine, televisión y videojuegos para crear entornos realistas o fantásticos que no existen, son imposibles de filmar o muy costosos de construir. Consiste en combinar escenarios reales con fondos pintados”
La sesión va a ser de lo más interesante, os esperamos.
Auditorio de la Biblioteca Pública de Valladolid, jueves 5 de marzo de 2026, 19:00h
Miradas curiosas y escenas llenas de vida y belleza. Captar sin invadir. Que el único disparo permitido sea el que nace de la luz y se guarda en una imagen.
Abstrac-pato / Raquel Esteban
2. Búho chico / José Luis Peláez
3. Los tres amigos / Laura Tejero
4. La hora del paseo / Enrique Salas
5. Un paseo para estirar las patas / Miguel Ángel Andrade
6. Encerrado / Tomás González
7. Curioso / Jesús Hernando
8. Animales imaginarios / Carlos de San Luis
9. Abrazo animal / Elena Parrilla
10. Barn owl / Agustín Sánchez
11. Almorzando / Charo Martínez
12. Nos vemos en los bares / Laura Tejero
13. Entre ramas / Víctor Manuel Simón
14. En el parque / Enrique Salas
15. Entre patas / Raquel Esteban
16. Caracol col / José Luis Peláez. Primera clasificada
17. De perfil resaltan mis ojos / Miguel Ángel Andrade
18. En el estanque / Tomás González. Segunda clasificada
19. Oteando horizonte / Víctor Manuel Simón
20. Animalada instintiva / Elena Parrilla
21. Ángel / Jesús Hernando
22. Saltos en Castilla / Charo Martínez. Tercera clasificada (empate)
23. Ojo que te veo / Carlos de San Luis
24. El posado / Tomás González
25. A volar / Enrique Salas
26. Vigilancia nocturna / Laura Tejero. Tercera clasificada (empate)
27. El capitán / Raquel Esteban
28. All lined up (tod@s en fila) / Agustín Sánchez
La película que vamos a ver en esta sesión es de una directora holandesa, Marleen Gorris, que creció en el seno de una familia protestante en el católico sur holandés.
Es una declarada feminista y esto se refleja en su filmografía, algunas de sus películas son:
“La cuestión del silencio” (1982), “Espejos rotos” (1984), “La Última Isla” (1991) y la que vamos a ver que es:
«Antonia»
Es una película holandesa del año 1995
Género: Comedia-Drama
Duración: 102 minutos
Premios: Oscar a la mejor película de habla no inglesa
Una mujer holandesa poco convencional, forja en su familia un estilo de vida con pensamientos liberales.
La directora la describe como «un cuento de hadas feminista”
Descrita como una «fábula feminista», la película destaca por su visión del matriarcado, la independencia de la mujer y la tolerancia, mostrando cuatro generaciones de mujeres que deciden sobre sus propias vidas.
Antonia (la bisabuela), Daniela (la hija), Teresa (la nieta) y Sara (la bisnieta). La trama conjunta de estas cuatro mujeres, con vidas entrelazadas entre sí.
La elección es de nuestra compañera Estrella, nos ha mandado esta sinopsis y después del visionado nos explicará porque le gusta esta “Antonia”.
SINOPSIS
En una granja tranquila de la campiña holandesa, la nonagenaria Antonia repasa su vida tranquilamente acostada en su cama, desde que llegó a su pueblo, en la Holanda profunda para el funeral de su madre en los años 40, después de la II Guerra mundial, acompañada de su hija, hasta los años 90.
En el pueblo, día a día, el comportamiento independiente de Antonia y su familia se mezcla con la vida cotidiana del pueblo.
La vieja granja se convierte en el hogar de personas muy variadas, en un lugar de acogida donde el que llega tiene un plano en la mesa, pero también trabajo en la granja, que, en esos tiempos, todas las tareas había que hacerlas sin a penas maquinaria, y toda ayuda es necesaria.
Es una película que realza la solidaridad, la libertad, da visibilidad a las mujeres y a las personas con discapacidad intelectual.
Os dejamos un enlace para leer después de ver la peli
“El film es pura emoción, anti-convencional y seduce con la narración poética en la que nos sumerge sobre la vida, el amor y la muerte. Una narración en la que «el tiempo no cura todas las heridas, simplemente alivia el dolor y desdibuja los recuerdos.»
“Nada muere completamente, siempre queda algo de lo que crece algo nuevo. Así empieza la vida sin saber de dónde ni viene y sin saber por qué. Porqué la vida quiere vivir. Este es el único baile que bailamos» explica Antonia a su bisnieta Sara.
Auditorio de la Biblioteca Pública de Valladolid, jueves 19 de febrero de 2026, 19:00h
En la tercera sesión del Club de Cine vamos a ver una película de culto, la cual se considera una de las películas mas singulares en la historia del cine.
De ella se dice que es: “Fabulosamente friki”, la delirante ‘The Rocky Horror Picture Show’ se sigue coreando 50 años después.
La elección y presentación corre a cargo de nuestro compañero Luis Garea.
Nos ha mandado el siguiente texto:
Título original: The Rocky horror picture show
Año: 1975. Duración: 100 min.
País: Reino Unido
Dirección: Jim Sharman
Guion: Richard O´Brien
Música: Richard O´Brien
Reparto: Tim Curry, Susan Sarandon, Barry Bostwick, Richard O¨Brien, Patricia Quinn, Peter Hinwood, Meat Loaf, Neil Campbell, Charles Gray, Ernest Blyth.
Cuando una pareja regresa de la boda de unos amigos, estalla una violenta tormenta y el coche se les avería. Así las cosas, no tienen más remedio que refugiarse en un castillo cercano, donde el doctor Frank-N-Furter vive entregado a la creación de una especie de Frankenstein.
Notas sobre la película:
Jim Sharman junto a Richard O´Brien construyen esta película sobre la obra de teatro musical que ya existía “The Rocky horror show (1974)” que tuvo un considerable éxito en los teatros.
Esta disparatada creación atrae por su transgresora forma de enfrentarse al mundo de la transexualidad, la heterosexualidad y la libertad desde un enfoque de comedia negra de terror y ciencia ficción, es un homenaje evidente a las películas de serie B de los años 30 y 50 en las que se filmaba con un presupuesto mínimo.
muy acorde a los gustos de la época, recordemos Hair, Jesucristo Superstar entre otros que triunfaron en las salas de teatro y luego en la pantalla.
Cuando vi por primera vez esta película pensé en que era mediocre, sin gusto alguno, los efectos especiales eran sencillos, la fotografía en ocasiones nada clara, la iluminación que decir de ella, muy pobre. Pero pasaban los minutos y mis pies se movían al ritmo frenético de la banda sonora y las escenas te llevaban sin respiro a una historia que tenía un mensaje de libertad y de sutil búsqueda de unas emociones que no eran de carácter sexual si no más bien de encontrar un alma que se acerque a la tuya, era algo más profundo que una simple comedia banal sin sustancia.
En el documental realizado por el hijo de Richard O´Brien sobre la película: The Rocky horror Picture Show, ese extraño viaje (Linux O´Brien), relata como muchos jóvenes en Reino Unido y EEUU pudieron ser conscientes de su propia sexualidad y no tener miedo a mostrar lo que eran en una sociedad que cercena toda muestra de ir contra lo establecido.
Esta película está considerada como una película de culto, hay que verla desde la perspectiva de los años 70 y entender lo difícil que era entonces mostrar este tipo de realidades en la sociedad de entonces.
Espero que os guste y el debate está servido, será después de la peli.
«Película de culto, apología de la diversión y el sexo por el sexo, contiene algunas de las escenas más hilarantes y provocativas del cine de los años 70»
Los rótulos y comercios antiguos son pequeñas cápsulas del tiempo que sobreviven en nuestras calles. A través de la fotografía, sus tipografías gastadas, colores desvaídos y materiales tradicionales cuentan historias de otros ritmos de vida. Cada letrero conserva la identidad de un barrio y la memoria de quienes lo habitaron. Fotografiarlos es un acto de preservación visual y cultural. Son huellas silenciosas de un pasado cotidiano que aún dialoga con el presente.
1. Recuerden, ¡Herranz las camisas! / Agustín Sánchez
2. Cartel Lion D’Or / Raquel Esteban
3. Al filo del tiempo / Laura Tejero. Primera clasificada
4. Bar / José Luis Peláez
5. Ultramarinos y café / Jesús Hernando
6. El Colmao / Charo Martinez
7. Luces que giran desde 1889 / Elena Parrilla
8. Oportunidades pasadas / Laura Tejero
9. Cine X / Miguel Ángel Andrade
10. El Herbe / Raquel Esteban
11. En verde y negro / Agustín Sánchez
12. Rua Direita / Charo Martínez
13. Los 40 sexys / Miguel Ángel Andrade
14. Neón sin tiempo / Laura Tejero
15. Calzados de la Torre / Charo Martínez
16. Sanidad / José Luis Peláez
17. Joyería Fernando Potente / Raquel Esteban. Tercera clasificada
18. Goloso / Jesús Hernando
19. Sala Cervantes / José Luis Peláez
20. Al final picó / Agustín Sánchez. Segunda clasificada
En la segunda sesión de este año del club de cine vamos a ver la película:
Vías cruzadas
Título original:The Station Agent
Año: 2003. Duración: 88 min. Dirección: Thomas McCarth
Reparto:
Patricia Clarkson, Peter Kinklage, Boby Cannavale, Raven Goodwin, Paul Benjamín, Michelle Williams
La presentación la hará nuestra compañera Carmen Devesa
Además de recibir en el Festival de Sundance 2003 los premios del Público, al mejor guion y a la mejor interpretación (Peter Dinklage), esta película norteamericana independiente ganó el Premio Especial del Jurado y el Premio Especial SIGNIS en el Festival de San Sebastián 2003.
Notas sobre el director:
Thomas McCarthy debuta en la dirección de largometrajes con este film. Hay que destacar el excelente guion, la fuerza actoral, nos los presenta como personajes vivos y la forma de rodarla.
Por último, es necesario añadir que la película es un homenaje a la cultura ferroviaria, y está llena de amor por los trenes, su historia y su significación en la configuración de Estados Unidos.
Sinopsis Finbar McBride sólo tiene una pasión: los trenes. Tras la muerte de su único amigo y compañero de trabajo, se instala en una estación de tren abandonada para vivir como un ermitaño. Lo único que quiere es estar solo y que lo dejen tranquilo, pero para él, nacido con problemas de enanismo, pasar inadvertido es una tarea casi imposible. Fin no tarda en verse involucrado en las vidas de algunos de sus vecinos y descubrirá que incluso el aislamiento es mejor compartido.
Es una película que trata sobre la soledad, la amistad, los encuentro/desencuentros y como las vías, se cruzan, se juntan y se separan.
El director pone el foco en tres personajes que son: Fin, Olivia y Joe y habría que preguntarse:
¿Buscan la soledad? ¿Tienen la misma actitud ante la soledad o hacia la situación que sufren? ¿Por qué?
¿Qué es lo que hace posible la amistad de tres personas tan distintas? ¿Qué pone cada una en esa relación?
Destaca el giro de guion a la mitad de la película, y vemos un punto de inflexión y un cambio en la vida de los personajes, un cambio interior y en la forma de afrontar la relación con los demás. Y es que el gran tema de la película es ver que defenderse del otro empobrece, abrirte a él e implicarte en su destino, humaniza. Hay que apuntar que la estación, el tren y las vías son el cuarto personaje en esta historia
De todo ello hablaremos con Carmen Devesa esta tarde, seguro que el debate será de lo más interesante.
Un minuto y a escena 