En la primera sesión del Club de cine 2026/2027 vamos a ver la película, Bienvenido Mr. Chance, dirigida por Hal Ashby en 1979.
Titulo original Desde el jardín (Being There, 1979) –conocida en España como Bienvenido Mr. Chance. Duración 130m. Basada en la novela de Jerzy Kosinski.
Director y editor de cine estadounidense nacido en Ogden, Utah. Fue un personaje atípico en el mundo del cine, que dejó una filmografía digna de elogio, repleta de pequeñas obras maestras en las que refleja el sello de un autor sobresaliente. Empezó su carrera en los Ángeles como ayudante de montaje. En 1967 ganó el Oscar al mejor montaje por, En el calor de la noche, asfixiante, enfermiza y envolvente película dirigida por Norman Jewison.
En los años 70, Ashby se consolidó como una figura clave del Nuevo Hollywood, dirigiendo películas que exploraban temas sociales y políticos con un enfoque humanista y satírico.
Paso a la dirección, y asombro a crítica y público con la extraordinaria Harold y Maude (1971), una rareza imprescindible para entender la genialidad de un cineasta en estado de gracia y el estilo que se imponía entre las nuevas generaciones lideradas por Coppola, De Palma, Friedkin y Cimino, entre otros. Mucha barba, mucho talento y poco respeto por el corsé de los estudios.
Cintas como The Last detail (El último deber, 1973), con un genial Jack Nicholson y Shampoo (1975), con Warren Beatty haciendo el papel más canalla de su carrera demostraron que, además, era un director taquillero y no sólo un artesano de elite. Pero lo mejor estaba por llegar.
El final de la década le llevó a rodar dos filmes inolvidables, Coming Home (El regreso, 1978), película con la guerra del Vietnam como telón de fondo, donde sirvió el Oscar en bandeja a Jane Fonda y Jon Voight.
Y la increíble Being There (Bienvenido Mr. Chance, 1979), una sátira política donde Peter Sellers demostró que es mucho más que un excelente actor de comedia en una de las mejores películas de la década.
Enlace interesantísimo sobre este director y su trayectoria:
“Chance es un hombre peculiar. Su vida se reduce a cuidar el jardín de la mansión de un hombre adinerado y a ver la televisión el resto del día, cuando el dueño de la casa muere y Chance es despedido, no está preparado para hacer frente al mundo exterior. Tiene, sin embargo, la suerte de conocer a Eve, una buena mujer que lo acoge en su casa. Lo paradójico es que, poco a poco, este hombre analfabeto, pero extremadamente cortés conseguirá engañar a muchos haciéndoles creer que es un gran político”. (FILMAFFINITY)
Un jardinero se convierte en el improbable consejero de confianza de un poderoso hombre de negocios y pasa a ser parte del entramado político de Washington.
En esta película hay que destacar el poder de los medios de comunicación, su influencia en las masas y como se puede llegar a ser una persona influyente siendo un analfabeto.
Desde el jardín, Bienvenido Mr. Chance. es estupenda, la inocencia y la actitud infantil de Chance es interpretada por sabiduría y discreción, la propaganda hace lo demás.
Feroz Critica de Hal Ashby al poder de la televisión, de los medios de comunicación y de la política y los poderosos.
Como siempre, el debate está servido.
Auditorio de la Biblioteca Pública de Valladolid, jueves 12 de noviembre de 2026, 19:00h
Comenzamos la temporada de nuestro club con el subtítulo Barrios,sugerente invitación para recorrer, a través de la fotografía, los espacios donde transcurre la vida cotidiana y se construye la memoria colectiva. «El pueblo es el libro donde están escritas todas las verdades», afirmó Federico García Lorca. Una idea que puede trasladarse también a nuestros barrios.
1. Accesos / Mª Ángeles Ruiz Ortega
2. Cada uno con su historia / Sofía Sevillano Palacios
3. Vigilando el barrio / Carlos de San Luis
4. El fotógrafo del barrio / José Luis Peláez López
5. Auditorio Miguel Delibes -Villa del Prado / Alicia Merino
Llegamos al final de este curso del club de fotografía. Buscamos una parada o una estación para viajar a nuestro verano, allá donde nos esté esperando, listo para ser disfrutado como si fuera el último. Feliz descanso y hasta pronto.
Vidriera / Charo Martínez
2. Embarque / Tomás González
3. Viajeros al tren / Charo Martínez
4. La espera / Tomás González. Primera clasificada
5. Próxima parada / Tomás González
6. Abandono. Nuevo Ave en vieja estación / Enrique Salas
7. De vacío / Carlos de San Luis
8. En bici o en tren / Laura Tejero
9. En el andén / Jesús Hernando
10. Espera sobre el canal / Agustín Sánchez
11. Esperando en línea / Elena Parrilla
12. Esperando / Carlos de San Luis
13. Estación subterránea / Carlos de San Luis
14. Fuera de servicio / Agustín Sánchez
15. Generación bus, moto y mulo / Miguel A. Andrade
16. Grafitis en el tren / Charo Martínez
17. La parada ocupada / Elena Parrilla
18. Nos vamos / Jesús Hernando
19. Parada romántica / Laura Tejero. Segunda clasificada
20. Parada y tablón de anuncios popular / Miguel A. Andrade
21. Pasajeros al tren / Agustín Sánchez. Tercera clasificada
Para poner el broche de oro al cierre de esta 14 edición del Club de cine, contamos con la presencia del vallisoletano Juan Rodríguez-Briso, director, guionista y productor del corto y la película que veremos este jueves, y de otras como La Controversia de Valladolid, que, si no recuerdo mal, el corto de ésta lo vimos en este Club de cine de mano de nuestro añorado Magister, Arturo.
Al final de esta entrada hay una interesante información sobre Juan, sus trabajos y su trayectoria profesional.
¡¡GRACIAS MIL A TOD@S!!
A Juan Rodríguez-Briso, a Jorge Vallejo y a todas personas que nos habéis presentado las películas que hemos visto estos meses, vuestra colaboración ha sido muy importante para la continuidad del Club de cine. En nombre de Belén y en el mío, Chelo, os lo queríamos agradecer. Ha sido un reto llegar hasta aquí, y entre tod@s ha sido posible.
Primero veremos el corto “Caso Dativo”, 2023, que tiene una duración de 20’ y después el interesante documental “Eighteam”, 2014, de 70’.
Juan nos ha dejado este texto:
“ Eighteam (juego de palabras en inglés entre 18 y equipo) que fue una producción pionera: la primera —y hasta la fecha única— coproducción hispano-zambiana realizada para el cine documental. Su recorrido internacional la llevó a participar en cerca de cuarenta festivales de todo el mundo, incluyendo su presentación en el prestigioso Festival de Cannes. Levantar el proyecto fue un desafío extraordinario. En una época en la que las plataformas de streaming aún no tenían el protagonismo actual y sin el respaldo de ninguna cadena de televisión, la financiación se convirtió en una auténtica carrera de fondo. Hubo que buscar apoyos tanto en España como en Zambia, coordinar la obtención de imágenes de archivo (fundamentales en este proyecto) procedentes de lugares tan diversos como Zambia, las Islas Seychelles o Australia, y afrontar un rodaje desarrollado en cinco países diferentes (España, Italia, Dinamarca, Zambia y Sudáfrica).
El proceso completo se prolongó durante casi dos años, marcados por la incertidumbre, la perseverancia y el trabajo constante. Finalmente, una empresa local zambiana apostó por el proyecto y proporcionó el impulso decisivo que permitió completar la producción y llevar la película hasta las pantallas internacionales.
Aunque el fútbol es el punto de partida de la historia, Eighteam nunca fue realmente una película sobre este deporte. Es, ante todo, un relato sobre la resiliencia humana, sobre la capacidad de levantarse cuando todo parece perdido y de encontrar esperanza en medio de la tragedia. La película explora cómo una comunidad entera fue capaz de reconstruirse emocionalmente frente a una de las mayores adversidades imaginables, convirtiendo el dolor en un ejemplo de dignidad y fortaleza colectiva.
Uno de los mayores reconocimientos que recibió la película llegó de la mano del prestigioso compositor británico Michael Nyman. Gran aficionado al fútbol y profundamente conmovido por la historia que narra Eighteam, Nyman cedió gratuitamente los derechos de varias de sus composiciones para formar parte de la banda sonora del documental. Su participación supuso un respaldo artístico de enorme valor y contribuyó decisivamente a dotar a la película de una identidad emocional única.
La música desempeña, de hecho, un papel esencial en la película. Entre todas las piezas destaca “Kalombo Mwane”, una forma de agradecimiento en lengua luave, una de las muchas lenguas de Zambia. Es una canción tradicional zambiana asociada habitualmente a los funerales y al duelo. En Eighteam, esa melodía experimenta una transformación simbólica extraordinaria: deja de ser una canción de despedida para convertirse en un himno de esperanza y victoria. Esa inversión de significado resume a la perfección el espíritu de la historia. Lo que nace de la tragedia termina convertido en celebración; lo que parecía el final se transforma en un nuevo comienzo. “Kalombo Mwane” acaba siendo así la gran metáfora de la película. Ver a los jugadores zambianos cantando esa canción apenas se proclamaron campeones llamó mi atención: ahí estaba la clave de toda esta historia.
Pero “Eighteam” también contiene una dimensión difícil de explicar con palabras. A lo largo de la historia aparecen coincidencias extraordinarias en torno al número 18, encuentros improbables y una sucesión de acontecimientos que parecen desafiar la lógica. Hay en ella un componente de destino, de casualidades cósmicas y de conexiones humanas tan sorprendentes que invitan a reflexionar sobre aquello que escapa a nuestra comprensión. Incluso para quienes no tienen creencias religiosas, la película plantea inevitablemente preguntas sobre el azar, la trascendencia y la misteriosa forma en que la vida parece entrelazar historias, personas y acontecimientos mucho más allá de lo que podemos explicar racionalmente.
El corto “Caso Dativo” que es un thriller de unos 20 minutos que rodé con la esperanza de hacerlo largo en algún momento. Este es el tráiler:
“Caso Dativo” parte de una pregunta tan sencilla como incómoda: si conocieras una información decisiva sobre un hecho delictivo, pero revelarla supusiera causar un daño irreparable a una persona a la que amas, ¿qué harías? La respuesta parece evidente cuando el problema es abstracto, pero deja de serlo cuando la lealtad, el afecto y la responsabilidad personal entran en conflicto con la justicia.
El cortometraje invita al espectador a recorrer ese territorio moral lleno de matices donde las certezas empiezan a desmoronarse. ¿Existe una obligación absoluta de decir la verdad? ¿Puede el amor hacia un familiar justificar el silencio? ¿Dónde se encuentra el límite entre la responsabilidad individual y la protección de quienes forman parte de nuestra vida? Caso Dativo no da la respuesta. Al contrario, construye un dilema que obliga al público a posicionarse y, quizá, a descubrir que sus convicciones son menos firmes de lo que imaginaba.
El propio título encierra una de las claves de la obra. En gramática, el dativo es el caso que designa al complemento indirecto: la persona que recibe o se ve afectada por la acción del verbo. Esa idea se convierte en el núcleo filosófico del cortometraje. Cada decisión que tomamos tiene consecuencias sobre otros, a veces previsibles y a veces inesperadas. Nuestras acciones nunca terminan en nosotros mismos; siempre alcanzan a alguien más. La gran pregunta que plantea Caso Dativo es precisamente quién recibe el impacto de nuestras decisiones y hasta qué punto somos responsables de las consecuencias que generan.
Narrado con las herramientas del thriller, el cortometraje mantiene una tensión constante que no surge únicamente de la intriga, sino del conflicto moral que atraviesa a sus personajes. Cada decisión tiene consecuencias y cada silencio plantea nuevas preguntas sobre la naturaleza de la culpa, la justicia y la conciencia.
Más allá de su propuesta temática, Caso Dativo representa también una declaración de intenciones desde el punto de vista cinematográfico. Rodado íntegramente en Valladolid y utilizando todos los recursos técnicos propios de una producción profesional, demuestra que es posible realizar cine de alta calidad fuera de los grandes centros tradicionales de producción audiovisual. La película reivindica el talento, las localizaciones y la capacidad técnica existentes en la ciudad, poniendo en valor un ecosistema creativo que muchas veces permanece invisible.
Resulta especialmente destacable que un proyecto con esta ambición visual y narrativa se completara en tan solo tres jornadas de rodaje. Esa combinación de planificación, compromiso del equipo y aprovechamiento de los recursos disponibles convierte a “Caso Dativo” en un ejemplo de cómo el cine independiente puede alcanzar altos niveles de exigencia artística y técnica sin necesidad de grandes estructuras industriales.”
“La fotografía es, para mí, el impulso espontáneo de una atención visual perpetua, que atrapa el instante y su eternidad” (Henri Cartier-Bresson)
Cartier-Bresson acuñó la expresión instante decisivo, una conjunción de tiempo, composición y tema que revolucionó la fotografía para siempre y que hoy inspira nuestras fotografías.
Solitario / Jesús Hernando
2. En busca del instante / Charo Martínez
3. A cuestas / Tomás González
4. Instante vital / José Luis Peláez
5. Placer o pecado / Miguel Ángel Andrade
6. En su mundo / Enrique Salas
7. Te paso una / José Luis Peláez (Primera clasificada)
8. Cazados al vuelo / Laura Tejero (Segunda clasificada)
9. Antes del siguiente paso / Charo Martínez
10. Explosión / Jesús Hernando
11. Visualización / Carlos de San Luis
12. Rivales / Tomás González
13. En avión o en barco / Miguel Ángel Andrade (Segunda clasificada)
14. Fascinados / Enrique Salas
15. Pareja / Laura Tejero
16. No cruces / Elena Parrilla
17. Fuegos / Jesús Hernando
18. Tres pies / Tomás González
19. El giro decisivo / Charo Martínez
20. Instante de emoción / Carlos de San Luis
21. El punto decisivo / José Luis Peláez
22. Instantes compartidos / Elena Parrilla
23. Momento del paseo / Laura Tejero
24. Ingravidez / Carlos de San Luis (Tercera clasificada)
Ya en la recta final del Club de Cine de esta temporada, nuestro compañero Carlos M. Tejero nos va a presentar esta joyita, que aunque él dice que no está considerada una de las más grandes de las películas de Hitchcock, el que nos la presente le añade un valor adicional, como todas y cada una de las películas que hemos visto y nos habéis presentado a lo largo de estos meses. ¡¡MUCHAS GRACIAS A TODOS!!
Esto es lo que nos cuenta Carlos de la película:
‘The trouble with Harry’ (1955)
Esta película no está considerada entre las más grandes películas de Hitchcock, pero yo tengo una especial debilidad por ella y os propongo verla en esta sesión-
Su argumento es simple, durante un hermoso día de otoño, en un idílico rincón campestre de Vermont, se oyen unos disparos, y aparece un cadáver, el de Harry. Un viejo capitán que cree que se trata de un accidente de caza del que se siente responsable, entierra, desentierra y transporta varias veces el cadáver sobre cuya identidad se interrogan con perplejidad una solterona, un médico miope y un pintor abstracto. Pero la trama se complica dando lugar a diversos equívocos, cambiando el foco de la culpabilidad varias veces.
Lo que más gusta es la ligereza del tono narrativo, los paisajes otoñales y que lo importante no es saber quién es el culpable, sino que el objetivo es el cadáver en sí mismo, como objeto del que hay que desprenderse, nadie lamenta la muerte de Harry. ¿Quién hubiera pensado que la muerte de Harry traería armonía y felicidad a toda la comunidad?
Atención a la banda sonora de Bernard Hermann. Esta película supuso el debut cinematográfico de Shirley MacLaine. La película fue un fracaso de taquilla en Estados Unidos, pero en el Reino Unido, Francia e Italia estuvo más de un año en cartel.Para quién esté interesado, añado un link a una página web que me parece que es la que contiene el análisis más completo de esta película.
Llegamos a la séptima película de este año y nos la va a presentar nuestro compañero Jaime.
Dirección: Francis Ford Coppola Guion: Susan E. Hinton y Francis Ford Coppola Basada en: Rumble Fish de Susan E. Hinton Música: Stewart Copeland Fotografía: Stephen H. Burum Diseño de producción: Dean Tavoularis Protagonistas Matt Dillon, Mickey Rourke, Diane Lane, Vincent Spano, Nicolas Cage, Dennis Hopper, Laurence Fishburne, Chris Penn
En esta sesión disfrutaremos de La ley de la calle, aunque yo encuentro mucho mejor su título original, Rumble fish (pez luchador). Es la película más personal y vanguardista de Francis Ford Coppola, una historia estilizada que se siente como un sueño febril en blanco y negro. Fue Concha de Oro en San Sebastián
En 1983, tras rodar The Outsiders (Rebeldes), Coppola decidió quedarse en Tulsa, Oklahoma, para rodar una “hermanita pequeña” y experimental. Mientras que la primera fue una historia cálida con un esquema muy clásico, Rumble Fish es su reverso tenebroso: una película de arte y ensayo disfrazado de cine de pandilleros juveniles. Ambas, Rebeldes y Rumble fish, están basadas en novelas de Susan Hinton, novelista de cierto éxito en Estados Unidos.
Es imposible hablar de la temática sin hablar del estilo y la estética, ya que en esta película todo está muy entrelazado. Intentémoslo.
Empezando por el elenco, Coppola volvió a contar con dos actores a los que había recurrido para Rebeldes: unos casi adolescentes en la vida real, como sus personajes, Matt Dillon, y Diane Lane, a los que se une un no tan joven (aunque también al principio de su carrera) Mickey Rourke. Dillon interpreta a “Rusty James”, un pandillero que ha heredado el liderazgo de su banda de su hermano mayor, el “Chico de la moto”, un líder legendario que ha desaparecido, pero que retorna inesperadamente.
La historia que se cuenta no es tan importante, porque Coppola configuró la película, desde el punto de vista narrativo, con un argumento que careciera de desarrollo dramático, y que se apoyara en escenas aisladas que reflejaran la relación entre diversos personajes (los miembros de la pandilla de Rusty, el propio Rusty, su hermano mayor y su padre, Rusty y su novia, etc.).
También es muy particular el uso que hace Coppola de la técnica del time lapse o cámara acelerada, para mostrar salidas y puestas de sol fulgurantes y unas nubes que corren aceleradas, dando la impresión de que la ciudad es una olla a presión a punto de estallar.
Esto, junto con el uso de grandes angulares para dar una gran profundidad de campo a los planos hace que se cree un ambiente cerrado y agobiante.
En cuanto al diseño de producción, Dean Tavoularis (el diseñador de producción habitual de Coppola) creó un entorno que parece suspendido en el tiempo. Aparte de las nubes nos encontramos con humo y niebla, lo que, junto al ambiente ruinoso y a las sombras alargadas da un aire fantasmagórico a la historia.
Los relojes y el aceleramiento de las imágenes sugieren la angustia de una juventud que se escapa. De hecho, el diseño está plagado de relojes (en vallas publicitarias, en tiendas, en la calle) que a menudo no tienen manecillas o están parados, simbolizando la obsesión de Coppola con el tiempo perdido.
La Banda Sonora está hecha íntegramente por Stewart Copeland, baterista de The Police, que creó una partitura percusiva y caótica que utiliza sonidos ambientales (relojes, cristales, ruidos de calle). La música no acompaña a la imagen, sino que dicta el pulso cardiaco de la película.
Para terminar, dos citas de la película que plasman muy bien su esencia:
“El tiempo es una cosa muy curiosa. Un elemento muy curioso. Cuando eres joven, eres un niño, tienes tiempo para todo. Luego pasas un par de años de aquí para allá y no es importante. Pero cuanto más viejo eres, más te preguntas: ¿Cuánto tiempo me queda?”. (Benny, Tom Waits), el propietario del bar.
“Si vas a liderar a la gente, tienes que tener un lugar a donde ir” (El chico de la motocicleta)
Ocurre todos los años, la esperamos, la intuimos y un día nos sorprende y se nos revela luminosa, perfecta y única. Es el milagro de la primavera, hoy a través de la mirada de nuestros fotógrafos.
Canto / Víctor Manuel Simón
2. Temporada de primavera / Laura Tejero
3. Placeres de la primavera / Raquel Esteban
4. Almendros en flor / Elena Parrilla
5. Caléndula / Enrique Salas
6. A punto de explotar la floración / Miguel Ángel Andrade
7. Bufé libre / José Luis Peláez (Segunda clasificada)
8. A juego con la primavera / Raquel Esteban
9. Las tardes al sol / Tomás González
10. Flor / Carlos de San Luis
11. Resiliencia floral / José Luis Peláez
12. Luz / Víctor Manuel Simón (Primera clasificada)
13. La primavera quiere entrar / Laura Tejero
14. La sangre altera / Jesús Hernando
15. Atardecer / Tomás González
16. Abril en la calle / Carlos de San Luis
17. Primavera en el agua / Charo Martínez
18. Esgueva / Jesús Hernando
19. Sol, sol, saca los cuernos al sol / Elena Parrilla
20. Tras la ventana / Enrique Salas
21. Vuelven las atracciones / Jesús Hernando
22. Atardecer primaveral / Carlos de San Luis
23. Gigantes de cm / Charo Martínez (Tercera clasificada)
24. Conversación / Tomás González
25. Meriendas de primavera / Miguel Ángel Andrade
26. Poda primaveral / Raquel Esteban
27. Pensamientos frescos / José Luis Peláez
28. Primavera / Víctor Manuel Simón
29. De flor en flor / Laura Tejero
30. Exhibición real / Enrique Salas
31. Primavera en la parra / Charo Martínez
32. Tormenta primaveral / Elena Parrilla
33. Haciendo el cambio de armario / Miguel Ángel Andrade
Nos la presenta Jorge Vallejo, antiguo miembro del Club de cine. Con él y con el director Alfonso Cuarón vamos a nadar en distopias de los mas actuales.
Jorge nos lanza una pregunta y nos propone un análisis muy particular de la misma. Nos manda el siguiente texto:
Título original: Children of Men Año: 2006 Duración: 109 min. País: Reino Unido / Estados Unidos Dirección: Alfonso Cuarón Guion: Alfonso Cuarón, Timothy J. Sexton, David Arata, Mark Fergus, Hawk Ostby (Novela: P.D. James) Fotografía: Emmanuel Lubezki Reparto: Clive Owen, Julianne Moore, Michael Caine, Chiwetel Ejiofor, Clare-Hope Ashitey, Pam Ferris. Género: Ciencia ficción. Thriller. Drama | Distopía. Supervivencia.
SINOPSIS
En el año 2027, el ser humano está al borde de la extinción: los hombres han perdido la capacidad de procrear y las mujeres se han vuelto estériles. No ha nacido un solo niño en los últimos 18 años. El mundo se ha sumido en el caos, las guerras y los colapsos medioambientales, dejando a Gran Bretaña como uno de los pocos lugares que mantiene cierto orden, aunque bajo un régimen militarizado y totalitario que persigue implacablemente a los inmigrantes. En este escenario de desesperanza, Theo (Clive Owen), un exactivista desilusionado convertido en burócrata, es contactado por su exmujer (Julianne Moore) para que le ayude a conseguir un salvoconducto para una joven refugiada. Pronto descubrirá que esa joven alberga un milagro que podría cambiar el destino de la humanidad.
Tras la proyección intentaremos responder a esta pregunta: ¿es Hijos de los hombres una obra maestra?
Para ello analizaremos la película como si fuera una cata de vino, evaluando algunos de sus elementos fundamentales y puntuándolos de 0 a 5, donde 5/5 representa una obra perfecta.
Elementos que analizaremos
Diseño de producción
Fotografía
Sonido
Guion
Actores
Dirección
Un plus final: el alma de la película
Criterio evaluativo
El objetivo es ir más allá del “me gusta” o “me entretiene” y tratar de construir un criterio algo más técnico.
Partimos de una base: una película que llega a estrenarse comercialmente suele tener un mínimo de calidad, por lo que 3/5 representaría una película correcta.
4 – 4.5: películas buenas o muy buenas, con elementos que destacan claramente (dirección, guion, interpretación…).
Más de 4.5: el territorio de las grandes obras del cine, películas que merecen ser estudiadas por su excelencia técnica o narrativa.
El Plus
Existe además un factor difícil de medir: la personalidad o el alma de una película. Ese elemento intangible que hace que conectemos con ella. Este plus puede convertir una película normal en una favorita personal, o incluso salvar una obra imperfecta. En resumen: cuanto más se acerque una película al 5/5, más difícil será negar su calidad, aunque personalmente no nos emocione.
Diseño de producción
El diseño de producción es la disciplina responsable de la apariencia visual de la película. Incluye todas las áreas que construyen su estética: escenografía, vestuario, maquillaje, peluquería o utilería.
Muchas veces pasa desapercibido porque estamos acostumbrados a ciertos estándares. Pero incluso en detalles que aparecen solo unos segundos —como las portadas de periódicos en el fondo de una escena— se construye lo que se llama narrativa ambiental, pequeños elementos que ayudan a contar la historia sin necesidad de diálogo.
En películas de ciencia ficción o distopía, como Hijos de los hombres, el diseño de producción es fundamental para que ese mundo resulte creíble y aporte detalles.
Fotografía
Para mí, uno de los aspectos más impresionantes de la película. Aquí hablamos claramente de un 5/5.
El director de fotografía es Emmanuel Lubezki, responsable también de películas como El árbol de la vida, Gravity, Birdman o El renacido.
Su estilo tiene varias características muy reconocibles:
Planos secuencia largos que sumergen al espectador en la acción sin cortes.
Cámara orgánica y cercana, casi documental, que nos hace sentir dentro de la escena.
Uso de luz natural, evitando iluminación artificial siempre que es posible.
Grandes angulares muy próximos a los actores, que permiten ver su emoción sin perder el contexto del entorno.
Colaboración muy estrecha con el director Alfonso Cuarón, hasta el punto de coreografiar escenas complejísimas donde cámara, actores y acción funcionan como una única maquinaria.
Durante la sesión analizaremos tres secuencias especialmente representativas:
el plano inicial
la secuencia del coche
la secuencia final
Sonido
En este apartado podemos agrupar banda sonora, montaje sonoro y diseño de sonido.
La música incluye una pieza espiritual del compositor John Tavener, con una atmósfera casi litúrgica que introduce una dimensión sagrada a la historia.
Al mismo tiempo, la película mezcla canciones de John Lennon, King Crimson o Deep Purple, creando una banda sonora ecléctica que refleja un mundo en decadencia donde la cultura del pasado aún sobrevive.
El diseño de sonido también es clave para la inmersión. Por ejemplo, tras algunas explosiones el sonido se transforma en un zumbido agudo, reproduciendo lo que sentiría una persona tras un impacto cercano.
El silencio también se utiliza como herramienta dramática, aumentando la tensión antes de que estalle la violencia.
Guion
La película está basada en la novela The Children of Men de P. D. James, aunque la adaptación toma muchas libertades.
El guion fue desarrollado por varios autores, incluido Alfonso Cuarón, que reescribió la historia para darle un tono más visceral y cinematográfico.
La película mezcla varios géneros:
thriller
road movie
drama distópico
Uno de sus mayores aciertos es el principio narrativo de “mostrar, no explicar”.
Además, rompe con el arquetipo del héroe clásico. Theo es un hombre cansado,desencantado y emocionalmente roto que simplemente intenta sobrevivir.
Actores
Las interpretaciones refuerzan el tono realista de la película.
Clive Owen (Theo) ofrece una interpretación contenida, muy humana.
Clare-Hope Ashitey (Kee) representa la esperanza en un mundo que ha perdido el futuro.
Michael Caine (Jasper) aporta humor, ternura y memoria del pasado.
Julianne Moore (Julián) aparece poco, pero su presencia impulsa toda la historia.
Dirección
La dirección de Alfonso Cuarón destaca por su capacidad para integrar todos los departamentos en una experiencia coherente.
Las escenas de acción parecen caóticas, pero están cuidadosamente coreografiadas: extras, cámara, actores y efectos trabajan juntos con una precisión enorme.
El resultado es una narrativa invisible, donde el espectador no siente que está viendo una película, sino fragmentos de un mundo real.
El Plus: el alma de la película
Lo que realmente hace especial a Hijos de los hombres es su humanismo en medio del colapso.
No es solo una distopía futurista. Es una película que nos invita reflexionar sobre problemas universales como la inmigración, los estados autoritarios, y un posible fin de la humildad causado en parte por nuestra propia mano, para finalmente darnos: esperanza cuando todo parece perdido.
Sobre su actualidad
La película, que ya tiene cerca de veinte años, fue concebida como una distopía, una exageración deliberada de algunas tendencias sociales para proyectarlas hacia el futuro. Funciona como un espejo deformante, un espejo de feria que amplifica los defectos de nuestra sociedad para obligarnos a mirarlos.
Esa exageración debería estar en terreno de la ficción. Sin embargo, algunos acontecimientos recientes —como determinadas políticas migratorias y la persecución de inmigrantes en Estados Unidos por cuerpos como ICE— hacen que esa distopía ya no parezca tan lejana.
Y quizá ahí reside una de las grandes virtudes de Hijos de los hombres: que, casi veinte años después, sigue invitándonos a reflexionar sobre el tipo de futuro que estamos construyendo.
Para terminar esta entrada, esta vez no se va a hacer con paginas de referencia sobre la película, se va a hacer mención al trabajo de Jorge vallejo, el cual nos ha mandado un enlace para conocer un video juego en el que ha estado trabajando en los últimos 5 años.
Los mercados son un festín visual: colores, texturas y rostros que cuentan historias sin palabras. En cada puesto se esconde una escena única, ideal para capturar la esencia viva y espontánea de la calle.
Colores / Víctor Manuel Simón
2. Pintura y arte en el mercadillo / Ana Isabel Iglesias
3. Todo preparado / Carlos de San Luis
4. Pescadería en El Campillo / Raquel Esteban. Segunda clasificada
5. Poco pan para tanto chorizo / Agustín Sánchez
6. Comentando / Jesús Hernando
7. Paleta de colores / Charo Martínez
8. Persianas / Tomás González
9. Mercadillo hipster / Agustín Sánchez
10. Trampantojo de mercado / Carlos de San Luis
11. A ver qué encuentro hoy / Laura Tejero
12. La duda / Tomás González
13. Y un jamón / Enrique Salas
14. Amalgama de colores / Laura Tejero
15. Balanza en El Campillo / Raquel Esteban
16. El sartenazo / Carlos de San Luis
17. Tabla de corte / José Luis Peláez. Primer clasificado
18. Mercado bajo techo / Charo Martínez
19. Camisas / Víctor Manuel Simón
20. Su turno / Tomás González
21. Curioseando / Ana Isabel Iglesias
22. Reflejo del rastro / José Luis Peláez
23. Líneas / Víctor Manuel Simón
24. Mercado al atardecer / Raquel Esteban
25. Sorprendidas / Jesús Hernando
26. ¿Quién me quiere? / José Luis Peláez. Tercera clasificación
27. Patas arriba / Agustín Sánchez
28. Caminando / Jesús Hernando
29. Entre visillos en la modernidad / Ana Isabel Iglesias
