Para ello analizaremos la película como si fuera una cata de vino, evaluando algunos de sus elementos fundamentales y puntuándolos de 0 a 5, donde 5/5 representa una obra perfecta.

Elementos que analizaremos

• Diseño de producción
• Fotografía
• Sonido
• Guion
• Actores
• Dirección
• Un plus final: el alma de la película

Criterio evaluativo

El objetivo es ir más allá del “me gusta” o “me entretiene” y tratar de construir un criterio algo más técnico.

Partimos de una base: una película que llega a estrenarse comercialmente suele tener un mínimo de calidad, por lo que 3/5 representaría una película correcta.

• 4 – 4.5: películas buenas o muy buenas, con elementos que destacan claramente (dirección, guion, interpretación…).
• Más de 4.5: el territorio de las grandes obras del cine, películas que merecen ser estudiadas por su excelencia técnica o narrativa.

El Plus

Existe además un factor difícil de medir: la personalidad o el alma de una película. Ese elemento intangible que hace que conectemos con ella. Este plus puede convertir una película normal en una favorita personal, o incluso salvar una obra imperfecta. En resumen: cuanto más se acerque una película al 5/5, más difícil será negar su calidad, aunque personalmente no nos emocione.

Diseño de producción

El diseño de producción es la disciplina responsable de la apariencia visual de la película.
 Incluye todas las áreas que construyen su estética: escenografía, vestuario, maquillaje, peluquería o utilería.

Muchas veces pasa desapercibido porque estamos acostumbrados a ciertos estándares. Pero incluso en detalles que aparecen solo unos segundos —como las portadas de periódicos en el fondo de una escena— se construye lo que se llama narrativa ambiental, pequeños elementos que ayudan a contar la historia sin necesidad de diálogo.

En películas de ciencia ficción o distopía, como Hijos de los hombres, el diseño de producción es fundamental para que ese mundo resulte creíble y aporte detalles.

Fotografía

Para mí, uno de los aspectos más impresionantes de la película. Aquí hablamos claramente de un 5/5.

El director de fotografía es Emmanuel Lubezki, responsable también de películas como El árbol de la vida, Gravity, Birdman o El renacido.

Su estilo tiene varias características muy reconocibles:

• Planos secuencia largos que sumergen al espectador en la acción sin cortes.
• Cámara orgánica y cercana, casi documental, que nos hace sentir dentro de la escena.
• Uso de luz natural, evitando iluminación artificial siempre que es posible.
• Grandes angulares muy próximos a los actores, que permiten ver su emoción sin perder el contexto del entorno.
• Colaboración muy estrecha con el director Alfonso Cuarón, hasta el punto de coreografiar escenas complejísimas donde cámara, actores y acción funcionan como una única maquinaria.

Durante la sesión analizaremos tres secuencias especialmente representativas:

• el plano inicial
• la secuencia del coche
• la secuencia final

Sonido

En este apartado podemos agrupar banda sonora, montaje sonoro y diseño de sonido.

La música incluye una pieza espiritual del compositor John Tavener, con una atmósfera casi litúrgica que introduce una dimensión sagrada a la historia.

Al mismo tiempo, la película mezcla canciones de John Lennon, King Crimson o Deep Purple, creando una banda sonora ecléctica que refleja un mundo en decadencia donde la cultura del pasado aún sobrevive.

El diseño de sonido también es clave para la inmersión.
 Por ejemplo, tras algunas explosiones el sonido se transforma en un zumbido agudo, reproduciendo lo que sentiría una persona tras un impacto cercano.

El silencio también se utiliza como herramienta dramática, aumentando la tensión antes de que estalle la violencia.

Guion

La película está basada en la novela The Children of Men de P. D. James, aunque la adaptación toma muchas libertades.

El guion fue desarrollado por varios autores, incluido Alfonso Cuarón, que reescribió la historia para darle un tono más visceral y cinematográfico.

La película mezcla varios géneros:

• thriller
• road movie
• drama distópico

Uno de sus mayores aciertos es el principio narrativo de “mostrar, no explicar”.

Además, rompe con el arquetipo del héroe clásico. Theo es un hombre cansado,desencantado y emocionalmente roto que simplemente intenta sobrevivir.

Actores

Las interpretaciones refuerzan el tono realista de la película.

• Clive Owen (Theo) ofrece una interpretación contenida, muy humana.
• Clare-Hope Ashitey (Kee) representa la esperanza en un mundo que ha perdido el futuro.
• Michael Caine (Jasper) aporta humor, ternura y memoria del pasado.
• Julianne Moore (Julián) aparece poco, pero su presencia impulsa toda la historia.

Dirección

La dirección de Alfonso Cuarón destaca por su capacidad para integrar todos los departamentos en una experiencia coherente.

Las escenas de acción parecen caóticas, pero están cuidadosamente coreografiadas: extras, cámara, actores y efectos trabajan juntos con una precisión enorme.

El resultado es una narrativa invisible, donde el espectador no siente que está viendo una película, sino fragmentos de un mundo real.

El Plus: el alma de la película

Lo que realmente hace especial a Hijos de los hombres es su humanismo en medio del colapso.

No es solo una distopía futurista. Es una película que nos invita reflexionar sobre problemas universales como la inmigración, los estados autoritarios, y un posible fin de la humildad causado en parte por nuestra propia mano, para finalmente darnos:  esperanza cuando todo parece perdido.

Sobre su actualidad

La película, que ya tiene cerca de veinte años, fue concebida como una distopía, una exageración deliberada de algunas tendencias sociales para proyectarlas hacia el futuro. Funciona como un espejo deformante, un espejo de feria que amplifica los defectos de nuestra sociedad para obligarnos a mirarlos.

Esa exageración debería estar en terreno de la ficción. Sin embargo, algunos acontecimientos recientes —como determinadas políticas migratorias y la persecución de inmigrantes en Estados Unidos por cuerpos como ICE— hacen que esa distopía ya no parezca tan lejana.

Y quizá ahí reside una de las grandes virtudes de Hijos de los hombres: que, casi veinte años después, sigue invitándonos a reflexionar sobre el tipo de futuro que estamos construyendo.

Para terminar esta entrada, esta vez no se va a hacer con paginas de referencia sobre la película, se va a hacer mención al trabajo de Jorge vallejo, el cual nos ha mandado un enlace para conocer un video juego en el que ha estado trabajando en los últimos 5 años.

Videojuego The_Occultist
https://store.steampowered.com/app/2092840/The_Occultist/
https://www.youtube.com/watch?v=3_F_co8WphQ&t=16s

Jorge Vallejo de Castro Docente de Diseño y programación de videojuegos
@untiyhorror

YouTube: Unity Do – El camino del videojuego https://www.youtube.com/channel/UChMzt1jSTzii0hoY1ABHPpQ

Instagram: jorgevallejodecastro
http://www.jorgevallejo.es

Gracias por tu colaboración con el club de Club de cine Espigador@s

Auditorio de la Biblioteca Pública de Valladolid, jueves 16 de marzo de 2026, 19:00h

Los mercados son un festín visual: colores, texturas y rostros que cuentan historias sin palabras. En cada puesto se esconde una escena única, ideal para capturar la esencia viva y espontánea de la calle.

1. Colores / Víctor Manuel Simón

2. Pintura y arte en el mercadillo / Ana Isabel Iglesias

3. Todo preparado / Carlos de San Luis

4. Pescadería en El Campillo / Raquel Esteban. Segunda clasificada

5. Poco pan para tanto chorizo / Agustín Sánchez

6. Comentando / Jesús Hernando

7. Paleta de colores  / Charo Martínez

8. Persianas / Tomás González

9. Mercadillo hipster / Agustín Sánchez

10. Trampantojo de mercado / Carlos de San Luis

11. A ver qué encuentro hoy / Laura Tejero

12. La duda / Tomás González

13. Y un jamón / Enrique Salas

14. Amalgama de colores / Laura Tejero

15. Balanza en El Campillo / Raquel Esteban

16. El sartenazo / Carlos de San Luis

17. Tabla de corte / José Luis Peláez. Primer clasificado

18. Mercado bajo techo / Charo Martínez

19. Camisas / Víctor Manuel Simón

20. Su turno / Tomás González

21. Curioseando / Ana Isabel Iglesias

22. Reflejo del rastro / José Luis Peláez

23. Líneas / Víctor Manuel Simón

24. Mercado al atardecer / Raquel Esteban

25. Sorprendidas / Jesús Hernando

26. ¿Quién me quiere? / José Luis Peláez. Tercera clasificación

27. Patas arriba / Agustín Sánchez

28. Caminando / Jesús Hernando

29. Entre visillos en la modernidad / Ana Isabel Iglesias

30. Difícil elección / Enrique Salas

31. Mañana de mercado / Laura Tejero

32. Frutería Urkizu / Charo Martínez

La entrada para la película de esta sesión 5 de marzo de 2026 es todo un reto, puesto que se la denomina obra maestra, es una joya del cine mudo y de su director, el maestro Charles Chaplin.

Su filmografía es amplia, podemos destacar:  The Kid (1921), El Circo (1928), Luces de la ciudad (1931), Tiempos Modernos (1936), El Gran Dictador (1940), con esta se produce su paso al sonoro.

La joya de hoy es: La quimera del oro 1925.

La elección es de nuestra compañera Loreto, y nos mandado el siguiente texto  

La quimera del oro (The Gold Rush) es una película muda escrita, dirigida, producida y protagonizada por Charles Chaplin.

En 1942 fue reestrenada en versión sonora, con un nuevo acompañamiento musical y narración en off del propio Chaplin.^[]​ Esta versión tuvo dos candidaturas a los Premios Óscar: al mejor sonido y a la mejor música.^[]​

Versión original de 1925 se acompañaba de música en vivo.

 

Cuando Chaplin estrenó esta película ya llevaba decenas de cortometrajes y dos largometrajes a sus espaldas y en la carrera cinematográfica había desarrollado no solo un personaje icónico, sino también una fórmula única: una unión entre humor visual, emocional y hasta social que con este relato alcanza uno de sus puntos más altos.

Inspirada tanto por imágenes documentales de pioneros en la nieve, como por la tragedia del famoso caso de la expedición Donner, la quimera del oro nos presenta al buscador solitario, enfrentado a los rigores del invierno, al hambre, la locura y al amor no correspondido.

Ciento un año después, esta historia concebida como una especie de sátira épica de la fiebre del oro que se produjo en la región de Klondike, logra superar el paso del tiempo provocando en los espectadores actuales la misma emoción, risa y entusiasmo, que provocó en los espectadores de todos los países donde se proyectó la película en 1925.

Ambientada en Alaska durante la fiebre del oro y filmada tanto en localizaciones naturales de las montañas de Nevada como en costosísimos decorados, esta superproducción de 15 meses de rodaje y escenas con 600 extras es un buen ejemplo de la poderosa independencia de Chaplin y su seria dedicación al arte de la risa con meticulosidad y perfeccionismo.

La actuación de Chaplin pulida a lo largo de los años, brilla en cada gesto y mirada, logrando que su personaje nos comunique, sin necesidad de palabras, ternura, tristeza, alegría y nostalgia, así como una exquisita dignificación de la pobreza.

 

La película fue rodada en 35 mm y con cámara fija en casi todos los planos, con una iluminación expresionista, destacando contrastes de luz en interiores y escenas nocturnas, sin sombras dramáticas para mantener una claridad visual y con gestos precisos no exagerados.

Con una escenografía coreografiada con movimientos calculados al milímetro, repitiendo tomas hasta conseguir la perfección, logrando esa mezcla de humor y emoción que nunca ridiculiza el sufrimiento, sino que lo ilumina.

También utilizó la técnica de matte paintings para lograr exteriores falsos.

Reparto:

• Charles Chaplin: Charlot, el vagabundo.
• Mack Swain: Big Jim McKay.
• Tom Murray:^[5]​ Black Larsen.
• Malcolm Waite: Jack Cameron.^[12]​
• Georgia Hale: Georgia.
• Henry Bergman: Hank Curtis.

Ficha técnica:

. Dirección, guion, producción, montaje: Charlie Chaplin

. Fotografía: Roland Totheroh, Jack Eilson

. País: Estados Unidos

. Año 1925

. Duración: 95 minutos

. Género: Tragedia cómica y aventuras.

. Producción: United Artists

Gracias Loreto por los enlaces que has compartido

Nota sobre:

“El matte painting es una técnica de efectos visuales utilizada en cine, televisión y videojuegos para crear entornos realistas o fantásticos que no existen, son imposibles de filmar o muy costosos de construir. Consiste en combinar escenarios reales con fondos pintados”

La sesión va a ser de lo más interesante, os esperamos.

Auditorio de la Biblioteca Pública de Valladolid, jueves 5 de marzo de 2026, 19:00h

Miradas curiosas y escenas llenas de vida y belleza. Captar sin invadir. Que el único disparo permitido sea el que nace de la luz y se guarda en una imagen.

1. Abstrac-pato / Raquel Esteban

2. Búho chico / José Luis Peláez

3. Los tres amigos / Laura Tejero

4. La hora del paseo / Enrique Salas

5. Un paseo para estirar las patas / Miguel Ángel Andrade

6. Encerrado / Tomás González

7. Curioso / Jesús Hernando

8. Animales imaginarios / Carlos de San Luis

9. Abrazo animal / Elena Parrilla

10. Barn owl / Agustín Sánchez

11. Almorzando / Charo Martínez

12. Nos vemos en los bares / Laura Tejero

13. Entre ramas / Víctor Manuel Simón

14. En el parque / Enrique Salas

15. Entre patas / Raquel Esteban

16. Caracol col / José Luis Peláez. Primera clasificada

17. De perfil resaltan mis ojos / Miguel Ángel Andrade

18. En el estanque / Tomás González. Segunda clasificada

19. Oteando horizonte / Víctor Manuel Simón

20. Animalada instintiva / Elena Parrilla

21. Ángel / Jesús Hernando

22. Saltos en Castilla / Charo Martínez. Tercera clasificada (empate)

23. Ojo que te veo / Carlos de San Luis

24. El posado / Tomás González

25. A volar / Enrique Salas

26. Vigilancia nocturna / Laura Tejero. Tercera clasificada (empate)

27. El capitán / Raquel Esteban

28. All lined up (tod@s en fila) / Agustín Sánchez

29. Que gato más mono / Miguel Ángel Andrade

30. Curiosidad canina / Carlos de San Luis

31. Retrato / Víctor Manuel Simón

32. Esperando la primavera / Jesús Hernando

33. Terminando el nido / José Luis Peláez

34. Juego de tronos gatunos / Elena Parrilla

35. Robin / Agustín Sánchez

36. Feria de Luis Candelas / Charo Martínez

La película que vamos a ver en esta sesión es de una directora holandesa, Marleen Gorris, que creció en el seno de una familia protestante en el católico sur holandés.

Es una declarada feminista y esto se refleja en su filmografía, algunas de sus películas son:

“La cuestión del silencio” (1982), “Espejos rotos” (1984), “La Última Isla” (1991) y la que vamos a ver que es:

«Antonia»

 

 

 

 

Es una película holandesa del año 1995

Género: Comedia-Drama

Duración: 102 minutos

Premios: Oscar a la mejor película de habla no inglesa

 

Una mujer holandesa poco convencional, forja en su familia un estilo de vida con pensamientos liberales.

La directora la describe como «un cuento de hadas feminista”

Descrita como una «fábula feminista», la película destaca por su visión del matriarcado, la independencia de la mujer y la tolerancia, mostrando cuatro generaciones de mujeres que deciden sobre sus propias vidas.

Antonia (la bisabuela), Daniela (la hija), Teresa (la nieta) y Sara (la bisnieta). La trama conjunta de estas cuatro mujeres, con vidas entrelazadas entre sí.

La elección es de nuestra compañera Estrella, nos ha mandado esta sinopsis y después del visionado nos explicará porque le gusta esta “Antonia”.

SINOPSIS

En una granja tranquila de la campiña holandesa, la nonagenaria Antonia repasa su vida tranquilamente acostada en su cama, desde que llegó a su pueblo, en la Holanda profunda para el funeral de su madre en los años 40, después de la II Guerra mundial, acompañada de su hija, hasta los años 90.

En el pueblo, día a día, el comportamiento independiente de Antonia y su familia se mezcla con la vida cotidiana del pueblo.

La vieja granja se convierte en el hogar de personas muy variadas, en un lugar de acogida donde el que llega tiene un plano en la mesa, pero también trabajo en la granja, que, en esos tiempos, todas las tareas había que hacerlas sin a penas maquinaria, y toda ayuda es necesaria.

Es una película  que realza la solidaridad, la libertad, da visibilidad a las mujeres y a las personas con discapacidad intelectual.

Os dejamos un enlace para leer después de ver la peli

https://www.funeralnatural.net/peliculas/antonia-memorias-de-antonia

en él podemos leer cosas como:

“El film es pura emoción, anti-convencional y seduce con la narración poética en la que nos sumerge sobre la vida, el amor y la muerte. Una narración en la que «el tiempo no cura todas las heridas, simplemente alivia el dolor y desdibuja los recuerdos.»

“Nada muere completamente, siempre queda algo de lo que crece algo nuevo. Así empieza la vida sin saber de dónde ni viene y sin saber por qué. Porqué la vida quiere vivir. Este es el único baile que bailamos» explica Antonia a su bisnieta Sara.

Auditorio de la Biblioteca Pública de Valladolid, jueves 19 de febrero de 2026, 19:00h

 

 

En la tercera sesión del Club de Cine vamos a ver una película de culto, la cual se considera una de las películas mas singulares en la historia del cine.

De ella se dice que es: “Fabulosamente friki”, la delirante ‘The Rocky Horror Picture Show’ se sigue coreando 50 años después.

La elección y presentación corre a cargo de nuestro compañero Luis Garea.

Nos ha mandado el siguiente texto:

Título original: The Rocky horror picture show

Año: 1975. Duración: 100 min.

País: Reino Unido

Dirección: Jim Sharman

Guion: Richard O´Brien

Música: Richard O´Brien

Reparto: Tim Curry, Susan Sarandon, Barry Bostwick, Richard O¨Brien, Patricia Quinn, Peter Hinwood, Meat Loaf, Neil Campbell, Charles Gray, Ernest Blyth.

Género: Musical, comedia, terror/ comedia negra / ciencia ficción.

Sinopsis:

Cuando una pareja regresa de la boda de unos amigos, estalla una violenta tormenta y el coche se les avería. Así las cosas, no tienen más remedio que refugiarse en un castillo cercano, donde el doctor Frank-N-Furter vive entregado a la creación de una especie de Frankenstein.

Notas sobre la película:

Jim Sharman junto a Richard O´Brien construyen esta película sobre la obra de teatro musical que ya existía “The Rocky horror show (1974)” que tuvo un considerable éxito en los teatros.

Esta disparatada creación atrae por su transgresora forma de enfrentarse al mundo de la transexualidad, la heterosexualidad y la libertad desde un enfoque de comedia negra de terror y ciencia ficción, es un homenaje evidente a las películas de serie B de los años 30 y 50 en las que se filmaba con un presupuesto mínimo.

muy acorde a los gustos de la época, recordemos Hair, Jesucristo Superstar entre otros que triunfaron en las salas de teatro y luego en la pantalla.

Cuando vi por primera vez esta película pensé en que era mediocre, sin gusto alguno, los efectos especiales eran sencillos, la fotografía en ocasiones nada clara, la iluminación que decir de ella, muy pobre.  Pero pasaban los minutos y mis pies se movían al ritmo frenético de la banda sonora y las escenas te llevaban sin respiro a una historia que tenía un mensaje de libertad y de sutil búsqueda de unas emociones que no eran de carácter sexual si no más bien de encontrar un alma que se acerque a la tuya, era algo más profundo que una simple comedia banal sin sustancia.

En el documental realizado por el hijo de Richard O´Brien sobre la película: The Rocky horror Picture Show, ese extraño viaje (Linux O´Brien), relata como muchos jóvenes en Reino Unido y EEUU pudieron ser conscientes de su propia sexualidad y no tener miedo a mostrar lo que eran en una sociedad que cercena toda muestra de ir contra lo establecido.

Esta película está considerada como una película de culto, hay que verla desde la perspectiva de los años 70 y entender lo difícil que era entonces mostrar este tipo de realidades en la sociedad de entonces.

Espero que os guste y el debate está servido, será después de la peli.

Os dejamos el enlace de referencia:

https://www.filmaffinity.com/es/film782908.html

donde se pueden leer criticas como esta:

«Película de culto, apología de la diversión y el sexo por el sexo, contiene algunas de las escenas más hilarantes y provocativas del cine de los años 70»

Javier Ocaña.

Auditorio de la Biblioteca Pública de Valladolid, jueves 5 de febrero de 2026, 19:00h

Los rótulos y comercios antiguos son pequeñas cápsulas del tiempo que sobreviven en nuestras calles. A través de la fotografía, sus tipografías gastadas, colores desvaídos y materiales tradicionales cuentan historias de otros ritmos de vida. Cada letrero conserva la identidad de un barrio y la memoria de quienes lo habitaron. Fotografiarlos es un acto de preservación visual y cultural. Son huellas silenciosas de un pasado cotidiano que aún dialoga con el presente.

1. Recuerden, ¡Herranz las camisas! / Agustín Sánchez

2. Cartel Lion D’Or / Raquel Esteban

3. Al filo del tiempo / Laura Tejero. Primera clasificada

4. Bar / José Luis Peláez

5. Ultramarinos y café / Jesús Hernando

6. El Colmao / Charo Martinez

7. Luces que giran desde 1889 / Elena Parrilla

8. Oportunidades pasadas / Laura Tejero

9. Cine X / Miguel Ángel Andrade

10. El Herbe / Raquel Esteban

11. En verde y negro / Agustín Sánchez

12. Rua Direita / Charo Martínez

13. Los 40 sexys / Miguel Ángel Andrade

14. Neón sin tiempo / Laura Tejero

15. Calzados de la Torre / Charo Martínez

16. Sanidad / José Luis Peláez

17. Joyería Fernando Potente / Raquel Esteban. Tercera clasificada

18. Goloso / Jesús Hernando

19. Sala Cervantes / José Luis Peláez

20. Al final picó / Agustín Sánchez. Segunda clasificada

21. Café / Miguel Ángel Andrade

22. Cabaret eterno / Elena Parrilla

23. En busca de rebajas / Laura Tejero

24. Cubierto / Jesús Hernando

En la segunda sesión de este año del club de cine vamos a ver la película:

Vías cruzadas

Título original: The Station Agent

Año: 2003. Duración: 88 min. Dirección: Thomas McCarth

Reparto:

Patricia Clarkson, Peter Kinklage, Boby Cannavale, Raven Goodwin, Paul Benjamín, Michelle Williams

La presentación la hará nuestra compañera Carmen Devesa

Además de recibir en el Festival de Sundance 2003 los premios del Público, al mejor guion y a la mejor interpretación (Peter Dinklage), esta película norteamericana independiente ganó el Premio Especial del Jurado y el Premio Especial SIGNIS en el Festival de San Sebastián 2003.

Notas sobre el director:

Thomas McCarthy debuta en la dirección de largometrajes con este film. Hay que destacar el excelente guion, la fuerza actoral, nos los presenta como personajes vivos y la forma de rodarla.

Por último, es necesario añadir que la película es un homenaje a la cultura ferroviaria, y está llena de amor por los trenes, su historia y su significación en la configuración de Estados Unidos.

Sinopsis
Finbar McBride sólo tiene una pasión: los trenes. Tras la muerte de su único amigo y compañero de trabajo, se instala en una estación de tren abandonada para vivir como un ermitaño. Lo único que quiere es estar solo y que lo dejen tranquilo, pero para él, nacido con problemas de enanismo, pasar inadvertido es una tarea casi imposible. Fin no tarda en verse involucrado en las vidas de algunos de sus vecinos y descubrirá que incluso el aislamiento es mejor compartido.

Es una película que trata sobre la soledad, la amistad, los encuentro/desencuentros y como las vías, se cruzan, se juntan y se separan.

El director pone el foco en tres personajes que son: Fin, Olivia y Joe y habría que preguntarse:

¿Buscan la soledad? ¿Tienen la misma actitud ante la soledad o hacia la situación que sufren? ¿Por qué?

 ¿Qué es lo que hace posible la amistad de tres personas tan distintas? ¿Qué pone cada una en esa relación?

Destaca el giro de guion a la mitad de la película, y vemos un punto de inflexión y un cambio en la vida de los personajes, un cambio interior y en la forma de afrontar la relación con los demás. Y es que el gran tema de la película es ver que defenderse del otro empobrece, abrirte a él e implicarte en su destino, humaniza. Hay que apuntar que la estación, el tren y las vías son el cuarto personaje en esta historia

De todo ello hablaremos con Carmen Devesa esta tarde, seguro que el debate será de lo más interesante. 

https://www.filmaffinity.com/es/film588935.html

En la primera sesión de 2026, volvemos a ver una película del gran Billy Wilder, al que Fernando Trueba, al recoger su Óscar por Belle Epoque, se refirió de esta manera: «Quisiera creer en Dios para darle las gracias, pero sólo creo en Billy Wilder, él es mi verdadero Dios. Gracias, Mr. Wilder», y elegida por otro grande, nuestro Magister y dios particular, Arturo, que nos ha enviado este texto:

 

 

Hoy me toca a mí elegir película para inaugurar el año, y apuesto sobre seguro:    Billi Wilder y una de sus obras maestras, El crepúsculo de los dioses (1950), la cual cumplió su 75º aniversario el año pasado.

El grandilocuente título responde a la inveterada costumbre de los distribuidores españoles de agudizar su ingenio para cambiar los títulos originales de las películas. En este caso, Sunset Boulevard hace referencia a una avenida que recorre Hollywood y donde acostumbran a vivir las estrellas del celuloide. Además, el nombre de la calle significa atardecer, ocaso (pues esa es la orientación de la avenida), de modo que, de forma sutil, el título original nos introducía en el tema de la película. Sutileza que se pierde en el título español, por si acaso el público patrio no se enteraba de qué iba la peli.

Recuerdo que la vi una noche en la segunda cadena de Televisión Española, donde tanto cine hemos aprendido los que ya somos algo talluditos, y me impresionó. En todos los aspectos: guion, dirección, fotografía, interpretación…

La película es una reflexión sobre el paso del tiempo, en general, simbolizada por el ocaso de las estrellas del cine mudo con la aparición del sonoro (un tema que retomaría un par de años más tarde Gene Kelly en Cantando bajo la lluvia). El cine mudo es mi debilidad y esa es una de las razones para elegir esta película.

Se podría hablar y escribir largo y tendido sobre El crepúsculo de los dioses, pero solo quiero destacar dos cosas: el punto de vista y un plano (y no me refiero al famoso travelling de Gloria Swanson bajando las escaleras de su mansión). Toda la película está contada en flashback por un cadáver que aparece flotando en la piscina de la protagonista, un cadáver al que vemos en un plano nadir. ¿Y qué era esto de un plano nadir?

“No hay nada más. Solo nosotros y las cámaras… y esas personas maravillosas ahí, en la oscuridad.”

Muchas gracias, Arturo. Nos encantaría ver la película contigo. No sabes cuánto te vamos a echar de menos.

Os dejamos el enlace de la película de Filmaffinity, nuestra página de referencia de cine, para que lo podáis echar un vistazo después de ver la película, o cuando mejor os parezca a vosotros:

El crepúsculo de los dioses (Billy Wilder)

El crepúsculo de los dioses (Sunset Boulevard, Billy Wilder, 1950) 110´

Auditorio de la Biblioteca Pública de Valladolid, jueves 27 de noviembre de 2025, 19:00h

La fotografía captura las formas como si fueran susurros de la luz. Líneas que nacen de la sombra, contornos que se revelan en silencio y volúmenes que el ojo aprende a sentir. A través del encuadre, el mundo se detiene un instante y las formas dejan de ser objetos para convertirse en gestos, ritmos y emociones.

1. Espiral / José Luis Peláez. Primera clasificada

2. Si pisas círculo, pierdes / Miguel Ángel Andrade

3. Torre de Babel / Laura Tejero. Segunda clasificada (empate)

4. La historia del fútbol / Andrés de Miguel

5. Tirando / Jesús Hernando

6. Cúpula / Raquel Esteban

7. Acudo ¡rápido! / Charo Martínez

8. Sujetando peso / Andrés de Miguel

9. Fractal / José Luis Peláez

10. Paralelepípedos / Carlos de San Luis

11. Espiral de cristal / Laura Tejero

12. Tango argentino / Enrique Salas

13. Misterio / Ana Isabel Iglesias

14. Curva hacia el cielo / Charo Martínez

15. Radar en tiempo real o pájaros / Miguel Ángel Andrade

16. Formas naturales / Víctor Manuel Simón

17. Calabaza / Raquel Esteban. Segunda clasificada (empate)

18. Formas abandonadas / Carlos de San Luis

19. Las casas del cuento / Víctor Manuel Simón. Tercera clasificada

20. Vela al viento / Enrique Salas

21. Subir o bajar / Laura Tejero

22. Tetris / Miguel Ángel Andrade

23. Poniendo vallas al campo / Víctor Manuel Simón

24. Paralelas de Tierra de Pinares / Charo Martínez

25. Tal cual / Ana Isabel Iglesias

26. Qué formas son esas / José Luis Peláez

27. Como una flecha / Ana Isabel Iglesias

28. Formas construidas / Carlos de San Luis

29. Esquirla / Raquel Esteban

30. Amalgama / Jesús Hernando

31. Hasta el infinito / Andrés de Miguel

32. Cantos rodados. El paso del tiempo / Enrique Salas